On The Corner

2021-11-02 00:55:02 ​Высшая любовь Джо Брэзила [2/2]

Джо Брэзил родился в Детройте, учился играть на саксофоне в местной музыкальной школе и позже – в консерватории. Потом – армия и игра в бэндах, по возвращении – работа на заводе «Крайслер», а в свободное время – участие в бурной детройтской джазовой жизни. Брэзил смог сделать карьеру – поднялся до уровня среднего инженерного класса. Он сумел выкупить родительский дом и сделал в подвале что-то наподобие домашней студии, в которой регулярно устраивал джемы. В доме Брэзила гостили Рой Брукс, Дональд Бёрд, Стив Редд, останавливались Майлз Дэвис и Джон Колтрейн. Запись джема 1958 года с участием Колтрейна, Джо Хендерсона, Роя Брукса и самого Брэзила два года назад появилась на Youtube. Вероятно, именно в этот момент Колтрейн и Брэзил начали общаться ближе и в итоге подружились.

В начале 60-х Брэзил устроился работать в «Боинг» и переехал жить в Сиэттл. Продолжая совмещать производственную карьеру с музыкой, он выдвинулся в первые ряды местной джазовой сцены и регулярно поддерживал на выступлениях приезжавших с концертами звёзд, например, Чарльза Ллойда или Руфуса Рида. Главное, он продолжал самостоятельно записывать концерты, и именно его упорству и педантичности мы и обязаны появлению уникальной концертной записи «A Love Supreme». В конце 60-х, уже после смерти Колтрейна, Брэзил начал преподавать музыку в сиэттлском колледже, и, какое-то время, в университете в Вашингтоне. Он приглашал на занятия Херби Хэнкока и Нэта Эддерли, делился практическим опытом, но в «белой» элитисткой системе образования своим так и не стал. После его смерти о нём помнили только те, кого он научил джазовому искусству. Если бы не саксофонист Стив Григгс, который много лет занимается изучением сиэттлских записей Колтрейна, мы бы ничего не узнали ни о Брэзиле, ни о его уникальной коллекции мастер-записей. Зато теперь знаем, и это знание делает «A Love Supreme: Live in Seattle» гораздо ближе и понятнее.

В конце концов, та музыкальная культура, которую мы называем джазом и постигаем её, водя пальцем по экрану телефона, выросла на плечах таких людей, как Джо Брэзил. Работали на заводах, уставали, многое терпели, любили свою музыку, играли её лучше всех, потом умерли. А музыка, получается, осталась.

https://album.link/ru/i/1581013256

(Текст для сайта «Грэмми» написал Морган Инос – крутой автор, рекомендую следить) Открыть/Комментировать

2021-11-02 00:55:02 ​Высшая любовь Джо Брэзила [1/2]

Запись «A Love Supreme: Live in Seattle», о которой до этого года мы даже не подозревали, конечно, большая находка. Джон Колтрейн с классическим квартетом и примкнувшими к нему Фэроу Сандерсом, Дональдом Гарретом и Карлосом Уордом в Сиэттле исполняет живьём материал «A Love Supreme». В то же время и в том же месте, где были записаны «Live in Seattle» и «Om». Ну не чудо ли. Только с этим чудом есть одна проблема – барьер между слушателем и собственно записью, который классическим путем не преодолеть.

Можно сколько угодно водить пальцем по экрану монитора, переключать композиции в «Спотифае» и оставаться бесконечно далёким от смысла музыки. Классическая рецензия с попыткой объяснения записи через траекторию даижения Колтрейна, этот порочный круг разорвать не может. Да, Колтрейн смело работает с исходным материалом и меняет его; да, появляются зацепки, которые приведут нас к «Ascension» и далее к «Expression». Всё это, и многое другое, можно расслушать и понять умом – только вот до конца не ясно, для чего это делать. Ключ к записи явно не в этих мыслительных конструкциях – сколько их в голове крути, так и останешься стоять перед закрытой дверью.

Но, кажется, появился текст, который, наконец, многое про «A Love Supreme: Live in Seattle» объясняет. Он рассказывает о записи со стороны человека, который тем вечером пришел в клуб с портативным немецким звукозаписывающим устройством и нажал на «Rec». Вернувшись домой, он подписал мастер-записи «Coltrane...Love» и бережно сложил их в коробку. Больше, чем через полвека спустя, их нашли и торжественно издали. Зовут человека Джо Брэзил. В те же дни он принял участие в записи альбома Колтрейна «Om», и сыграл там на одной из колтрейновских африканских флейт. «Om» оказался для Брэзила единственной студийной работой. Брэзил умер в 2008-м в возрасте 80 лет из-за проблем с сердцем. Его имя нам, обывателям, ничего не говорит. Зато в музыкантсткой среде он был очень известен и к записи Колтрейна оказался причастен неслучайно – они дружили. Открыть/Комментировать

2021-10-31 20:23:32 Обратите внимание на интервью Сергея Мезенова с композитором и пианистом Романом Столяром на «Джазисте». Столяр рассказывает о своем пути, но ещё больше – о новосибирской сцене, которую мы, увы, уже почти потеряли. И вообще на личном примере говорит о вещах, о которых мы задумываемся нечасто, хотя может и стоило бы.

Например, очень интересно, как строится карьера музыканта, который решил посвятить себя свободной импровизации. Какую роль в этом отношении может и должно играть образование, какую – среда, которая необходима для постоянного развития. За какие микрошансы приходится цепляться. Какие социальные лифты возможны, и существуют ли они вообще. Читаешь, например, воспоминание Столяра о том, как он в 1990-м полетел из Новосибирска на Гавайи с концертами, и думаешь – вау, ну круто же. Или, например, очень интересен опыт с арт-резиденцией в Шанхае. Это только два ярких примера навскидку – в тексте их гораздо больше.

Ещё интересней читать о новосибирской сцене с упоминанием фамилий Юрия Юкечева, Владимира Толкачева, Сергея Беличенко, Бориса Толстобокова и других композиторов и музыкантов, о ком сейчас практически не говорится. Новосибирская сцена распалась, закончилась преемственость, и это очень грусто. Это была мощная традиция с сильной региональной спецификой и аутентичной культурной средой. Вообще, конечно, удивительно читать о том, как еще тридцать – тридцать пять лет назад импровизационный авангардист мог играть перед аудиторией в полторы тысячи человек. Это очень многое говорит об объеме индустрии и уровне развития инструментальной музыки. То есть, да, была монополист – «Мелодия» (которая, к слову, могла запросто выпустить Шилклопера и Каретниковым), был, допустим фестиваль «Осенние ритмы», был концерт группы «Аллегро» по телевидению в прайм-тайм, и во всех крупных региональных центрах были крупные фестивали вроде тех, о которых рассказывает Столяр. Это не значит, что всё хорошо было (не было), а скорее, подчеркивает, насколько наша «новая» индустрия до сих пор толком не сформирована, и будет ли когда-нибудь сформирована в нормальном виде, большой вопрос.

Судьба Столяра, который в 2018-м вынужден был переехать из Новосибирска в Питер, во многом показательна. Пресловутая федерализация высушила местные сцены, и даже такую мощную, как новосибирская – тоже. Нет музыкантов, нет площадок, нет студий, нет лейблов. И взяться неоткуда, потому что денег нет. В 90-е в большей степени, в 2000-е – в меньшей, в Новосибирске всё ехало на ресурсе людей, которые по-прежнему могли и хотели многое делать (например, тот же Беличенко со своим лейблом Ermatel), а потом ресурс кончился, а новые люди не пришли. Сейчас вся региональная жизнь финансируется из центра, и это конечно, не может не лишать её разнообразия и постоянной потпитки местными силами. Молодые уезжают, как правило, в Москву, и делают это потому, что вариантов немного. Либо перестать развиваться, либо уезжать с риском потеряться в московской толчее. Это не есть хорошо.

В конце Столяр немного рассказывает о своей новой книге «Между каноном и свободой. Импровизация в западной музыке второй половины ХХ века». По сути выход книги и стал инфоповодом для публикации интервью, но основные темы разговора – другие. Книгу же я рекомендую иметь в виду: тема для русскоязычного музыкального сегмента редкая, а пишет Столяр классно.

Простите, если утомил своим бу-бу-бу, вот ссылка: https://jazzist.club/roman-stolyar/. Открыть/Комментировать

2021-10-31 00:36:08 Из машины Мне кажется, новый альбом композитора и пианиста Игоря Яковенко «The Music Machine» в первую очередь интересен тем, что он нетипичен для нашей джазовой сцены. То есть, альбом, конечно, хорош сам по себе, и слушать его – одно удовольствие, но обратил… Открыть/Комментировать

2021-10-31 00:16:23 Из машины

Мне кажется, новый альбом композитора и пианиста Игоря Яковенко «The Music Machine» в первую очередь интересен тем, что он нетипичен для нашей джазовой сцены. То есть, альбом, конечно, хорош сам по себе, и слушать его – одно удовольствие, но обратил бы я внимание на него в первую очередь из-за непохожести.

Наши джазовые пианисты – из тех, кто сочиняет и записывает свою музыку – в первую очередь мелодисты. Таковы традиции композиторской школы, такова сила европейских влияний на нашу сцену. В этом году, вышло несколько сильных альбомов наших пианистов (Илугдин, Рыков, Пономарев, Мищенко, Маринченко), которые я очень люблю, и они, естественно, индивидуальны, но всё-таки лежат в одной «мелодической» системе координат. Основная музыкальная информация в этих работах (где-то в большей, где-то в меньшей степени) содержится в фортепианных партиях лидера. У Яковенко – по-другому.

На «The Music Machine» основа всему – ритм. Не доминанта (ритм и мелодия идут на «The Music Machine» рука об руку), а смысловой центр. При этом неправильно утверждать, что общее звучание альбома определяется манерой игры барабанщика. Скорее, наоборот, Александр Зингер идеально подошел для исполнения задуманных композитором сложных, чуть ли не прог-роковых, ритмических фигураций. Такой подход в чем-то сближает пластинку с новой школой американского постбопа. Впрочем, нельзя не отметить что отдельными отрезками Яковенко возвращается к «классческому» джазу и не стесняется – как это происходит, например, в композициях с участием трубача Ивана Акатова – горячо «рассвинговывать» саунд. На контрасте работает как надо.

Сам Игорь Яковенко также ведёт себя нетипично для российского пианиста-лидера. Мелодические партии он, как правило, доверяет другим (саксофонисту Азату Гайфуллину, трубачу Ивану Акатову, вокалисткам Алисе Тен и Кристине Ковалёвой), а сам, что называется, «компит», играя либо ритм либо контрмелодию. Перкуссионная манера исполнения в диапазоне от агрессивных атак до мягкого сопровождения основной мелодии дается Яковенко легко и получается на уровне американских джазовых топов.

Отдельно хочется сказать пару слов про лейбл FANCYMUSIC. Одно время о FANCY ходило такое расхожее мнение, что это «наш ECM» (я с этим утверждением не совсем согласен, но это к делу не относится), а получилось так, что за последний год лейбл выпустил чуть ли не два самых интересных мейнстримовых альбома. Помимо Яковенко я имею в виду еще и прошлогодний Masala Quartet. Здорово, что при таких стилистических экспериментах, лейблу удается сохранять преемственность звука. В общем, «The Music Machine» – класс. Рекомендую. Больше информации – в врубной рецензии Леонида Кравченко (@whats_that_noise) на «Джазисте».

Youtube // Band.link // «Джазист» Открыть/Комментировать

2021-10-28 00:20:01 В последние два дня все – от Путина до Урганта, от "Известий" до "Афиши" – поздравляют Игоря Михайловича Бутмана. 60 лет, большой юбилей – так и должно быть. Игорь Бутман – фронтмен российского джаза. Мне кажется, в этой роли он очень органичен. Не гений (признанный… Открыть/Комментировать

2021-10-27 23:23:06 В последние два дня все – от Путина до Урганта, от "Известий" до "Афиши" – поздравляют Игоря Михайловича Бутмана. 60 лет, большой юбилей – так и должно быть. Игорь Бутман – фронтмен российского джаза. Мне кажется, в этой роли он очень органичен. Не гений (признанный или непризнанный), не патриарх и не светоч, а фронтмен, который аккумулирует вокруг себя связи, внимание, проекты, ну и медийную активность с престижем, конечно тоже.

Карьера и шире – творческая судьба Бутмана – тоже сложились таким образом, что его имя не связано с каким-то конкретным событием, фестивалем, альбомом или композицей. Скорее наоборот, исторический клуб «Le Club», фестиваль «Триумф Джаза», альбомы «Moscow @ 3 A.M», «Nostalgie» и «Magic Land», дружба с Уинтоном Марсалисом, хоккей и еще много чего, соединяются в цельный образ. Говорим Бутман – подразумеваем джаз, говорим джаз – вспоминаем Бутмана. Возможно, это звучит как слишком грубое обобщение, но наверняка именно такой ассоциативный ряд и выстраивается в далеком от джазовых тонкостей массовом сознании.

Сегодня, так или иначе, в поздравлениях были озвучены практически все фронтменские качества Бутмана: харизма, творческая энергия, деловая жилка, умение делать нетворкинг. Но главное качество, без которого настоящего фронтмена не бывает, это все-таки удача. Бутман – человек удачи. Он не ждет ее, а, что называется, умеет с ней договариваться. Бутман всегда чувствует, когда и где появляется пространство возможностей, и стремится его заполнить. Так было в СССР, когда он начинал делать карьеру, успев поиграть с Лундстремом, Левиновским, Гребенщиковым и Курёхиным; так было и на сломе советской эпохи, когда он удачно уехал в Америку; так случилось и в России 90-х, куда он вернулся восполнять пустоты в по-новой зарождавшейся джазовой жизни.

В конце концов, это умение оказываться в нужное время в нужном месте проявилось даже в сегодняшнем юбилейном празднике. Вот родился бы Бутман 28-го, и попал бы под московский локдаун, а сегодня все прошло по-другому: Марсалис (что само по себе большое событие), два оркестра на одной кремлевской сцене (МДО vs Линкольн – круто), Долина, Сюткин, кайф. Так, наверное, и должно быть.



// https://daily.afisha.ru/music/21477-igoryu-butmanu-60-my-pogovorili-s-nim-o-dzhaze-kurehine-i-sotrudnichestve-s-vlastyu // https://t.me/thelostchords/272 Открыть/Комментировать

2021-10-26 22:45:21 Великий Морган

Мне кажется, новое, если не ошибаюсь третье по счету переиздание альбома Ли Моргана «The Complete Live At The Lighthouse» стоит внимательно переслушивать при всех оговорках. Даже если вы заслушали оригинальный альбом до дыр. Даже если вам кажется, что вся эта мегаломания с семью часами материала, дорогущим бокс-сетом из двенадцати виниловых пластинок, не из любви к искусству, а коммерции для. Но сути это не меняет.

Ли Морган, единственный из «большой четверки» трубачей 60-х (Майлз Дэвис, Фредди Хаббард, Дональд Бёрд) не хотел идти на встречу новой эпохе. Отмахивался от джаз-фанков и от джаз-фьюжнов, и оставался верен традиции «настоящего» акустического хард-бопа. Хотя положение дел в сильно менявшейся тогда индустрии подталкивало его к обратному.

В июле 1970-го Морган с убойным составом три вечера подряд отыграл в маленьком лос-анджелесском клубе «Lighthouse», который, что отчасти символично, находился на грани закрытия. Всего получилось 12 получасовых сетов – по четыре за вечер. Все вместе их получилось издать только в этом году. И это полный огонь. В тот момент, когда Морган выпал из инфополя и был не так уж много кому нужен по сравнению с тем, что творилось вокруг его имени в первой половине 60-х, он был в лучшей форме из всех возможных.

Поздний Морган – лучший Морган, и серия концертов в «Lighthouse» – еще одна взятая им вершина. На длинной дистанции, после прослушивания, например, трех разных версий «The Beehive», это становится даже более очевидным. И вот, что ещё важно: не желая идти в ногу со временем, и как казалось со стороны цепляясь за прошлое, Морган, как ни странно, свое время опередил. Сейчас понимаешь, что во многом из, простите, черного саунда «The Complete Live At The Lighthouse» выросло поколение «молодых львов» 80-х во главе с Уинтоном Марсалисом. «The Complete Live At The Lighthouse» – это, как бы сказал покойный критик Стэнли Крауч – не джаз, а Negro Music. Великое достижение великой культуры.

Youtube // Album.link Открыть/Комментировать

2021-10-18 19:51:22 В эфире рубрика «Как одновременно играть в 100 группах и заставить всех себя ненавидеть». Присмотритесь к этой фотке с Леди Джи и Тони Беннетом. Присмотритесь внимательнее. Подсказка: на саксофониста смотрите. Узнаете его? Кто же это может быть? Неужели Сергей Храмцевич? Похож-то как. Но нет. Саксофониста все-таки зовут Стив Кортыка (не шучу), а в группе с ним играет барабанщик Дэн Пугач (тоже не шучу). Ну а Сергей Храмцевич на своем пути в стратосферу снялся в клипе Kate NV «в роли грибочка» (и снова не шучу). Открыть/Комментировать

2021-10-18 14:10:27 Вау. 28 декабря выйдет альбом Раймонда Паулса с оркестром Латвийского радио. Все композиции Паулс написал еще в 60-х, но в записи они не сохранились – считайте, что это премьера. Первые три из них уже можно послушать на официальном бэндкемпе рижского лейбла… Открыть/Комментировать