Sobolev//Music

2021-05-02 15:11:23 )) Открыть/Комментировать

2021-04-25 23:50:56

Открыть/Комментировать

2021-04-21 21:06:45 ​#новые_пластинки

Vijay Iyer – «‎Uneasy»‎ (2)

Свою карьеру Айер построил на трех китах: невероятном трудолюбии (25 лет выпускать по альбому в год – не шутка), железной воле и яростному стремлению к престижу и признанию. Поставленных целей Айер добился: стал лауреатом степендии Маккартура, получил место в Гарварде и застваил уважать себя даже непремиримых поначалу скептиков (например, Курта Розенвинкля). Последней победой Айера, без сомнения, стоит признать подчинение себе Манфреда Айхера. Айер пришел на ECM и заставил Айхера плясать под свою дудку и оставить в стороне неприкасаемые, казалось бы, требования к чистому саунду. Но добившись желаемого, Айер уперся в потолок, и наверняка сам это почувствовал. «‎Uneasy»‎ выглядит пластинкой написанной на автомате: за счет класса, опыта, но без вдохновения.

Моментальный успех альбома выглядит логичным – людям проще оценивать привычные вещи, которые сразу попадают в ожидания. Мне кажется, дальнейшую карьеру Айера представить несложно: еще 25 альбомов за 25 лет, лейблы Blue Note и Impulse!, две-три оперы и пара академических пьес, преподавание в университетах Лиги плюща, престиж и премии. Опять же, в этом нет ничего плохого, наоборот, пианисты-середняки о таеом даже не мечтают.

Но, Айер, наверняка, не хочет предсказуемости и хочет удивлять – хотя бы как его приятель Джейсон Моран, который взял и ушел с Blue Note и принялся записывать странные альбомы, о которых никто не пишет. Айер тоже так может – выкинуть фортель, записать наконец провальный альбом, а потом, возможно, великий – если только перестанет асе контрлоировать. Вот это, мне кажется, интрига.

А пока будем вылавливать в джазовых топах «‎Uneasy»‎ – хороший альбом хорошего фортепианного трио, способного на большее. – хороший альбом хорошего фортепианного трио, способного на большее.

Album.link Открыть/Комментировать

2021-04-21 21:06:45 #новые_пластинки

Vijay Iyer – «‎Uneasy»‎ (1)

Когда я думаю о новом альбоме Виджая Айера. мне кажется любопытным вот какой момент.

Если судить по внешним признакам, то «‎Uneasy»‎ – это успех. Серьезное паблисити, медийный охват, колонка в «‎Нью-Йорк Таймс»‎, попадание в категорию «‎best new music»‎ на «‎Пичфорке»‎. Окей, рецензию для «‎Пичфорка»‎ написал джазовый критик Нэйт Чинен, который «‎ведет»‎ Айера с начала карьеры, но это все-таки не повод «‎best new music»‎ игнорировать. Однако, если внимательно вчитаться в тексты рецензий, бросается в глаза, что авторы хвалят «‎Uneasy»‎ как «‎any piano trio album»‎.

Сложные размеры, гармонические переходы, захватывающие импровизации – то же при желании можно написать хоть о Шае Маэстро, хоть об Итэне Айверсоне, да о ком угодно. Допустим, универсальность формулировок легко списать на конвейерный метод критиков, но почему-то возникает чувство, что дело не только в них.

Давайте по чесноку: вот что нового мы узнали из «‎Uneasy»‎ об Айере как об исполнителе и композиторе? Только чур без деталей типа «‎на полтона выше – полтона ниже»‎ и
«‎перехода с 5/8 на 8/11»‎, а по гамбургскому счету? Мне кажется, ничего. Чтобы разобраться с творческим методом Айера, можно запросто послушать его альбомы со Стивеном Крампом и Маркусом Гилмором на ACT или даже дебютную пластинку «‎Memorophilia»‎, которую Айер записал, страшно сказать, в 1996-м. Там и размеры и гармонии и неизменный перегруз деталями, которые как бы призваны подчеркнуть модернисткий стиль Айера.

Наверное, такое постоянство – не так уж плохо само по себе, и за уровень «‎Uneasy»‎ пианисты-середняки пожертвовали бы многим, только вот Айер – не середняк, а топ, который хочет быть супертопом. Раз так, то и спрос с Айера другой, и постоянство выглядит уже не признаком класса, а топтанием на месте. А это уже, извните, кризис. При этом страшного в кризисном альбоме ничего нет, кризис – не означает провал, и в случае с «‎Uneasy»‎ этот принцип работает.

Теперь давайте попробую объяснить, какие у меня к «‎Uneasy»‎ вопросы. Главное, что это очень осторожная и безрисковая музыка для такого состава. Айер взял в команду, наверное, самых креативных в американском джазе музыкантов – барабанщика Тайшоуна Сори и контрабасистку Линду Мэй Хан О – и лишил их импровизационного простанства. Они с точностью воспроизводят замороченные ритмические структуры Айера, но в итоге не двают звучанию и десяти процентов того, что могли бы. Сори и Хан О звучат на «‎Uneasy»‎ как классная постбовая ритм-секция, но не более того – уверен, что и Крамп и Гилмор из трио предыдущего созыва тоже спокойно справились с этой задачей.

Такой микроменеджмент Айера выглядит странно: и Сори и Хан О он знает давно, справедливо называет Сори гением, и тем не менее боится отпустить контроль за музыкой. Но проявляя себя авторитарным лидером, Айер, к сожалению, остается заложником однажды выработанных композиционных схем, и с таким подходом становится похож на Жозе Моуриньо периода «‎Тоттенхема»‎ – считает мир враждебным по отношению к себе и действует только проверенными методами. Яркий пример тупиковости контрол-фричества Айера – вариация композиции Джери Аллен «‎Drummer's Song»‎. Аллен специально написала «‎Drummer's Song»‎ под барабаны и перкуссию, Айер же выводит на передний план себя, сильно упрощает аранжировку и, задвигая Сори на задний план, играет невыразительное соло на фортепиано. Открыть/Комментировать

2021-04-18 19:02:44 Уже как-то раз писал, что с возрастом стал сильней не любить группу Blur. А вот группу Oasis с годами, кстати, стал гораздо больше уважать. И дело совсем не в музыке, разумеется. Открыть/Комментировать

2021-04-14 21:17:40 ​​Отрецензировал для коллег с сайта «Джазист» новый альбом Джона Батиста, автора (одного из) музыки к анимационному фильму «Душа», бэндлидера на шоу Колбера, представителя династии великих музкантов из Нового Орлеана и т.д. и т.п. В тексте, правда, про это все ни слова. Кроме «Души». Разгром, почитайте.

Честно говоря, представить себе лучшее сопровождение к классическому американскому бранчу, чем альбом «WE ARE», довольно трудно. Не только песня «WE ARE», но и вся пластинка целиком звучит как солидная музыка для поглощения яиц Бенедикт и коктейля «Мимоза» в дороговатом заведении на глазах у очереди посетителей преимущественно белого цвета кожи. Открыть/Комментировать

2021-04-13 21:47:26 ​​Что мне нравится в этой на редкость нескучной и лапидарной для жанра книге отдельно — тотальное чувство присутствия всех задействованных.

Удовольствие прочитать беседу с Терри Темлиц, например, я оставлю вам самим — там она точно, резко и очень метко разъебывает (иначе и не скажешь) т.н. творческие индустрии, на словах заточенные в помощь художникам и артистам любого толка, а на деле представляющие из себя бесконечную вежливую головомойку и динамо-машину по выкачиванию денег и сил из отдельных творческих единиц. Кроме того, Терри озвучивает несколько практических примеров по делу сохранения рассудка и здорового духа в положении «свободного художника» — ценное дополнение к книге того же Инглиша, дающей минимальное руководство о том, как вайбить в чистом поле непуганой интеллигенции. А к тому же — рассуждает, почему сфера независимой экспериментальной музыки лично ей более предпочительна, чем сотрудничество с культурными институциями (вкратце: там обитают живые люди, а не обыскуствившиеся роботы).

Да и вообще, этот томик даже не столько про музыку и интересные способы ее воплощения и сочинения, сколько о том, как не потерять здоровое любопытство (или осадить нездоровое, часто проявляющееся после получения хорошего гуманитарного образования), уметь видеть тонкий абрис мира, но не раздражаться из-за его несовершенства и не забывать, что дух духом, но и грубая материя иногда много чего стоит, особенно в деле розыгрышей не очень ближних на потеху себе и всем врубающимся.

Моя же любимая часть «Заметок» — эссе Луизы Грей об Аннее Локвуд; как новозеландская композиторка отправилась в Дармштадт учиться свободной электронной музыке под руководством Штокхаузена и Булеза, а в итоге поняла, что звук всегда найдет, как быть услышанным в своей чувственности, а не в конкретном воплощении.

Идеи Локвуд не так давно вспоминали вдумчивые приколисты clipping. Их предпоследний альбом «There Existed an Addiction to Blood» закрывался как раз пьесой локвудовской пьесой «Сожжение фортепиано». Остановимся на ней чуть подробнее:

Берется фортепиано, желательно успевшее пожить и как следует поиграть. Его устанавливают на открытом пространстве, крышку закрывают, а внутри, в самом низу, около механизма педалей, закрепляют обрывок бумаги, смоченный жидкостью для розжига. Бумага поджигается – а дальше, пока фортепиано горит, с помощью педалей звук интонируется, как то угодно исполнителю. Пока ему не станет слишком жарко. Восстановлению фортепиано не подлежит.

«Сожжение» было лишь одной частью серии из работ «Пересадка фортепиано» (Piano Transplants), с помощью которых Локвуд спорила с Джоном Кейджем, возможно ли создать постоянно подготовленное фортепиано. Да, решила она, если это постоянство будет ограничено самой возможностью использования инструмента.

«Cмысл «Transplants» совсем не в разрушении. Скорее, их цель состоит в том, чтобы выделить фундаментальный процесс в композиции, передачу энергии. Звуки "Transplants" происходят из-за того, что каждое старое и сломанное фортепиано перегружено природой и каждый звук высвобождается в композиции, созданной из декомпозиции ... Это способ работы, с помощью которого можно мельком взглянуть на неслышимые или пропущенные звуки, обычно недоступные человеческому уху или наоборот, настолько распространённые, что мы их попросту не замечаем». Открыть/Комментировать

2021-04-13 21:47:25 Артем Абрамов о Локвуд и эссе про нее в новой книге «Заметки о другой музыке». Открывайте канал Абрамова и читайте дальше. Это только первый пост в серии. А про книгу эту я тоже обязательно что-нибудь скажу. Открыть/Комментировать

2021-04-13 17:34:00 ​​В тексте про «Грэмми» на «Московских новостях» я упоминал про колонку The Number Ones, которую ведет на сайте Stereogum их главред Том Брейхан. Кратко — самая суть: Брейхан идет хронологически по всем песням, добравшимся в чарте Billboard Hot 100 до первого места, рассказывает о них, дает контекст и оставляет собственные впечатления от прослушивания. Сейчас он находится в районе февраля 1988 года.

Эта интересная идея, но по архивам видно, что Брейхан с этими заметками поначалу мучался. Формат он нащупывал в процессе, и только относительно недавно довел его до ума. Он пишет большие и развернутые тексты, в которых личное перемежается с историческими фактами. Очень познавательно и увлекательно, но, на мой взгляд, иногда чересчур предсказуемо. Читая Брейхана долго, начинаешь понимать его фетиши — его пристрастия — как слушателя и критика. Он не очень умеет удивлять. Любит он хэйр-метал — ну и понятно, что песни вроде «Livin’ On a Prayer» или «Here I Go Again» он ругать не будет, а будет ими восхищаться.

Один из его таких фетишей — исполнения песен в караоке. Брейхан часто оценивает музыку в зависимости от того, подходит ли она большинству для такого занятия, легко ли в целом или сложно ее петь. Хотя бы и не на высшем уровне, а просто чтобы не облажаться. Если или очень сложно, или просто, то это сразу в его понимании идет песне в плюс.

Видимо, именно поэтому Брейхан поставил ) 10 из 10 баллов (он еще и оценивает песни, в этом тоже свое очарование) хиту «Need You Tonight» группы INXS. Пишет, что если у вас есть минимум голоса, то вы ее можете спеть. Другие аргументы в пользу того, почему «Need You Tonight» достойна десятки, изложены Брейханом не настолько просто.

Разумеется, я не согласен с оценкой 10/10. «Need You Tonight» — отличная песня с эпохальным риффом и одной из самых красивых первых строчек в западной поп-музыке («All you got is this moment / the twenty-first century's yesterday»; Брейхан ее тоже упоминает), но мне кажется, она не поражает воображение, как хит, которому стоит десятку дать.

Ну да ладно. Брейхан к своим статьям еще подверстывает небольшие бонусы, в основном — упоминает каверы на песни и их переложения с помощью сэмплов. Вот и вчера он тоже упомянул, как «Need You Tonight» перепивали Бэк с Сент Винсент, Кайли Миноуг, Джастин Тимберлейк. Мне кажется, он забыл самый лучший кавер, с альбома Бонни Рэйтт 2016 года «Dig In Deep». О том, что этот кавер (и этот альбом) существуют, я узнал вчера. Захотелось послушать саму «Need You Tonight» — и спотифай сразу предложил такой вариант.

Я вам это все рассказываю, на самом деле, чтобы в финале выразить восторг и преклониться перед Бонни Рэйтт. Она мало того, что «Need You Tonight» абсолютно переделала по интонации, превратив ее из загадочно-криповой песни в песни страстно-решительную, так еще и чисто по технике исполнила ее великолепно, щепки летят. Ну и, кстати, на ее альбоме 2016 года «Need You Tonight» абсолютный хайлайт.

Просто невероятный у этой женщины голос. Я хорошо знаю записи Рэйтт 70-80-х, но дальше начала 90-х не интересовался. Почему-то — потому что я тупой, наверное — не предполагал, что она как вокалистка сохраняла форму так долго.

Ссылка на студийную версию вот тут, например. А приложу я выступление Рэйтт у Джулса Холланда. Открыть/Комментировать

2021-04-13 15:27:42 Интересный мем. Не будем смотреть в принципе на его идеологические коннотации. Просто совершенно не согласен с изображением всем композиторов, абсолютно всех. Рахманинов? Ну вы шутите, вот уж душа наружу, слезы по лицу. Мясковский всегда чрезвычайно аристократичен. Изображение Рославца мне не ясно вообще. Какая-то ерунда. Про Мусоргского молчу.

С Римским-Корсаковым, ладно, попали хорошо. Смешно.

Обидней всего почему-то про Глинку. Я недавно мого слушал Глинку, это очень интересный композитор, крайне необычный. Не уверен, что прямо его люблю, но он достоин отображения куда сложней. Спорней. Более того, уверен: с ним жить еще очень долго. Пора изучать Глинку, потом это станет полезно. Напишу попозже на этой неделе чуть подробней.

(Да, я спорю с мемами. Мой канал, делаю все, что захочу. И, кстати, канал «Печенюшки и ковид» прекрасный, выполняет отличную кураторскую работу.) Открыть/Комментировать