Музей русского импрессионизма

2021-05-08 10:00:07 ​Камиль Писсарро прожил долгую жизнь и умер Париже в возрасте 73 лет. Однако родился будущий художник совсем в другом месте вдали от Франции – на Антильских островах в Карибском море. Его отец, еврей-сефард по происхождению, приехал на остров Сент-Томас, чтобы получить наследство, доставшееся от покойного дяди. Здесь Фредерик Писсарро познакомился с девушкой, которая впоследствии стала его женой. В 1830 году в семье родился сын. Его назвали Камилем.

Первый раз Камиль Писсарро оказался в Париже в 12 лет, когда отец отправил его учиться в частную школу. Там же мальчик увлекся искусством и начал рисовать. Вернувшись в 1847 году на родину, он в свободное от работы время продолжил писать картины. На острове Писсарро познакомился с датским художником Фрицем Мельби, который рекомендовал ему более основательно заняться живописью.

Через несколько лет Камиль Писсарро решил покинуть родные края и отправился в Париж. Антон Мельби, брат Фрица, также художник, встретил Писсарро во Франции и помог ему обустроиться на новом месте. В 1857 году в академии Сюиса Писсарро познакомился с Клодом Моне, и начался новый этап в его жизни и творчестве.

#rusimp #камильписсарро #цифра_дня #музейрусскогоимпрессионизма

Камиль Писсарро, Фруктовый сад в цвету, Лувесьен. 1872. Холст, масло. Национальная галерея искусства в Вашингтоне. Открыть/Комментировать

2021-05-06 10:00:07 ​Мария Казанская страстно и неудержимо рисовала с трех лет, поэтому вопроса о выборе профессии не стояло. В семнадцать лет она решила поступить в Художественную академию, но в тот год не было приема. Так она оказалась в мастерской ученицы Казимира Малевича Веры Ермолаевой. Татьяна, младшая сестра Марии, вспоминала: «Годы ученичества проходили, как у мастеров эпохи Возрождения. Маруся с утра уходила к своему мастеру и рисовала».

В основу занятий живописью Ермолаева положила последовательное изучение пяти систем современного искусства: импрессионизма, сезаннизма, кубизма, футуризма и супрематизма. Подобная методика восходила к представлениям Малевича об эволюции искусства и его педагогической практике в Государственном институте художественной культуры. Казанская сначала копировала известные произведения французской школы, а потом постепенно перешла к самостоятельным работам. Изучив приемы Синьяка, Сера и Моне, она соединила отдельные части их живописной системы и создала таким образом собственный художественный язык с присущим отрывистым мазком, выдающим живой темперамент художницы.

25 декабря 1934 года Казанская была арестована по делу Веры Ермолаевой как участник контрреволюционной группировки, пытающейся наладить нелегальную связь с заграницей и ведущей антисоветскую пропаганду среди окружающих. Через год дело было прекращено, так как виновность в процессе следствия не установлена. После ареста ее психическое здоровье было подорвано, и с 1937 года она больше не занималась живописью. Казанская умерла весной 1942 года во время блокады Ленинграда.

#rusimp #rusimp5years #марияказанская #музейрусскогоимпрессионизма

Мария Казанская, Лодки у розового причала. 1932-1934. Холст, масло. Частное собрание. Открыть/Комментировать

2021-05-04 10:00:07 ​Ученик серово-коровинской мастерской и участник «Голубой розы» Мартирос Сарьян на Восток стремился всегда. Уже в 1900-е – начале 1910-х он посетил Кавказ, Персию, Египет, сумев «избавиться от компромиссных полутонов», выработать оригинальный стиль с яркой обобщенной палитрой, плоскостной перспективой и мазком, определяющим одновременно и цвет, и форму.

В автобиографических заметках «Из моей жизни» Сарьян писал: «Меня интересовал вопрос о равной видимости предметов в разных планах воздушной перспективы. И вот, в Ереване, работая над этюдами, я заметил, что отдаленные предметы порой бывают видны почти так же ясно и четко, как предметы на переднем плане. Это всего один момент, но момент, имеющий очень важное эстетическое значение. Величественный Арарат висит в воздухе прямо над Ереваном, несмотря на то что находится в порядочном отдалении от города. В ясные дни можно без всякого напряжения рассмотреть во всех деталях не только снежную вершину горы, но и ущелья на ее склонах, шероховатости и даже небольшие холмики, прильнувшие к подножию великана. Арарат – это чудесный естественный монумент, чье подножие может видеть каждый наблюдательный зритель из распростершейся внизу широкой долины».

#rusimp #мартироссарьян #абрамчудновский #охотникизаискусством #частныеколлекции #музейрусскогоимпрессионизма

Мартирос Сарьян, Зангу и Арарат, Этюд. 1914. Холст на картоне, масло. Собрание А.Ф. Чудновского. Ныне в собрании KGallery, Санкт-Петербург. Открыть/Комментировать

2021-05-01 10:00:07 ​О встрече со своим будущим мужем в конце 1895 года Надежда Забела-Врубель рассказывала: «На одной из репетиций, еще первоначальных, утренних, я во время перерыва (помню, стояла за кулисой) была поражена и даже несколько шокирована тем, что какой-то господин подбежал ко мне и, целуя мою руку, воскликнул: “Прелестный голос!” Стоявшая здесь Т.С. Любатович поспешила мне представить: “Наш художник Михаил Александрович Врубель”, и в сторону мне сказала: “Человек очень экспансивный, но вполне порядочный”».

Уже скоро, в июле 1896 года, пара сыграла свадьбу в Женеве. Михаил Врубель часто писал портреты своей возлюбленной. Один из них он создал в 1898 году на хуторе, принадлежавшем художнику Николаю Ге. Надежда Ивановна была сестрой Екатерины Ге – невестки знаменитого передвижника, и чета Врубелей часто гостила на хуторе.

Михаил Врубель любил придумывать платья для своей супруги и в одном из них запечатлел Надежду Ивановну на картине 1898 года. Портрет написан свободными мазками и выдержан в светлой, не самой характерной для Врубеля гамме, что сближает эту работу с картинами импрессионистов.

#rusimp #михаилврубель #цифра_дня #музейрусскогоимпрессионизма

Михаил Врубель, Портрет Н.И. Забелы-Врубель. 1898. Холст, масло. Собрание Государственной Третьяковской галереи. Открыть/Комментировать

2021-04-29 10:00:11 ​«Цветок нельзя писать „так себе”, простыми мазочками, его надо изучить и так же глубоко, как и все другое. Цветы – великие учителя художников: для того чтобы постигнуть и разобрать строение розы, надо положить не меньше труда, чем при изучении человеческого лица… Я пишу их, как музыкант играет гаммы. Поработаешь часика два, так ум за разум начинает заходить – вместо цветов являются уж звуки какие-то… Это грандиознейшее упражнение для каждого живописца».

Петр Кончаловский говорил о цветочных натюрмортах со знанием дела. Недаром художника к концу его жизни упрекали в том, что он будто бы не замечал бурлящей вокруг него повседневной жизни и был увлечен только творчеством.

Кончаловский поселился далеко от Москвы, под Малоярославцем – в Буграх, ухаживал за садом, собирал мед, разводил свиней и коптил окорока. Стараясь удержать традиционный уклад жизни, он не приветствовал благ цивилизации: не проводил в дом электричество, зажигая керосиновые лампы, и не слушал радио, ограждая себя от новостей внешнего мира.

#rusimp #петркончаловский #русскийимпрессионизм #музейрусскогоимпрессионизма

Петр Кончаловский, Сирень в корзине («Героическая»). 1933. Холст, масло. Собрание Государственной Третьяковской галереи. Открыть/Комментировать

2021-04-27 10:00:21 ​Дмитрий Стеллецкий много путешествовал по России в поисках древнерусских памятников, фресок и икон. После учебы в парижской академии Жюлиана Стеллецкий жил и работал в талашкинской мастерской Марии Тенишевой, а затем отправился в Петербург, стал членом Союза русских художников и объединения «Мир искусства». Стеллецкому удалось создать собственную оригинальную манеру, объединяющую стилистику модерна с русской народной и православной образностью.

В 1911 году в четвертом номере журнала «Аполлон» была опубликована работа «Заря». В ней Стеллецкий совместил иконописные традиции – геометрический орнамент одежды, обратную перспективу архитектурных форм – с символическим наполнением. Александр Бенуа так написал об авторе «Зари»: «Искусство Стеллецкого – это тоже древнее, не знающее ни начала, ни конца, причитание – над всей нашей культурой, над всем, что в нас умирает и умерло. Конёнков сооружает дикие идолы, Рерих мечтает о недосягаемых глубинах прошлого, а Стеллецкий – нам, европейцам, западникам и “парижанам” – читает древние церковные причеты и хочет заставить наши гостиные иконами, накадить в них ладаном, навести на нас дурман какого-то, не то религиозного, не то колдовского, цепенения».

#rusimp #дмитрийстеллецкий #александрмясников #охотникизаискусством #частныеколлекции #музейрусскогоимпрессионизма

Дмитрий Стеллецкий, Заря. 1910. Холст, темпера. Собрание А.Л. Мясникова. Ныне в собрании В.А. Дудакова и М.К. Кашуро. Открыть/Комментировать

2021-04-23 10:00:20 ​В Гурзуфе Константин Коровин построил себе дом в четырнадцать комнат. Позже он вспоминал о беседе с Антоном Павловичем Чеховым в доме писателя в Ялте, в Верхней Аутке:

«Я сказал ему, что хочу купить в Крыму маленький кусочек земли и построить себе здесь мастерскую, но не в Ялте, а где-нибудь около. – Маша, – сказал он сестре, – знаешь что, отдадим ему свой участок… Хотите, в Гурзуфе, у самых скал… Я там жил два года, у самого моря… Слушай, Маша, я подарю эту землю Константину Алексеевичу… Хотите? Только там очень море шумит, «вечно»… Хотите?.. И там есть маленький домик. Я буду рад, что вы возьмете его… Я поблагодарил Антона Павловича, но и я у самого моря не смог бы жить – я не могу спать так близко, от него у меня всегда сердцебиение… После я жил в Гурзуфе и построил себе там мастерскую. И из окна моего был виден домик у скалы, где когда-то жил Антон Павлович. Этот домик я часто воспроизводил в своих картинах… Розы… и на фоне моря интимно выделялся домик Антона Павловича. Он давал настроение далекого края, и море шумело около бедного домика, где жила душа великого писателя, плохо понятого своим временем».

#rusimp #константинкоровин #музейрусскогоимпрессионизма #картарусскогоимпрессионизма

Константин Коровин, Гурзуф. 1915. Холст, масло. Собрание Екатеринбургского музея изобразительных искусств. Открыть/Комментировать

2021-04-20 17:41:54 ​​Завтра в Музее русского импрессионизма открывается выставка «Охотники за искусством»!

Выставочный проект расскажет о том, как в годы оттепели и застоя увлеченные коллекционеры собирали и сохраняли произведения музейного уровня.

С 21 апреля по 29 августа 2021 года в экспозиции будет представлено более 70 работ русского и советского модернизма художников первой трети XX века — от Константина Коровина и Александра Бенуа до Казимира Малевича и Нико Пиросмани. Партнером выставки выступит петербургская галерея KGallery.

Одновременно с выставкой «Охотники за искусством» музей представит спецпроект в честь своего пятилетия. Открыть/Комментировать

2021-04-17 10:00:14 ​В 1930-е годы художник Александр Герасимов много работал над заказными портретами партийных лидеров. Но даже в этот период он не забывал уроков, полученных во время учебы в Московском училище живописи. Там среди его наставников были Абрам Архипов, Валентин Серов и Константин Коровин, познакомившие молодого художника с импрессионизмом.

К этому же стилю Герасимов обратился, работая в 1935 году над картиной «После дождя». Сестра художника сохранила воспоминания о том, как было создано это произведение. Тогда Александр Михайлович приехал в свой родной город Козлов (совр. Мичуринск), чтобы отдохнуть от работы в столице.

После сильного дождя Герасимова поразил открывшийся ему вид природы и мокрой террасы, в которой капли воды живописно играли на свету. Художник немедленно попросил своего помощника подготовить палитру и принялся за работу. Через три часа картина была готова. 

#rusimp #александргерасимов #цифра_дня #музейрусскогоимпрессионизма

Александр Герасимов, После дождя. 1935. Холст, масло. Собрание Государственной Третьяковской галереи. Открыть/Комментировать

2021-04-15 10:00:36 ​Актер Александр Мгебров, работавший в театре Веры Комиссаржевской, Старинном театре Николая Евреинова, вспоминал: «Калмаков был вообще преоригинальным человеком и совершенно особенным художником. Правда, он был с большим мистическим уклоном, но вместе с тем он всегда стремился и пытался самим собой, своей собственной личностью воплотить художественную проблему эпохи Возрождения. Так, например, он, как старинные художники, никогда не покупал красок, но приготавливал их сам из трав и растений, чтобы познать древнюю тайну их – не умирать и не исчезать. И жил он своеобразно, уединенно и одиноко, именно так, как жили старинные художники. В Петергофе, у большого Петергофского парка, он имел маленький собственный домик, в котором были высокие узкие окна, старинная мебель, какие-то старинные балюстрады, лесенки и переходы. Помню однажды, когда я посетил его, он мне таинственным шепотом рассказывал, что давно пишет черта».

#rusimp #николайкалмаков #охотникизаискусством #частныеколлекции #музейрусскогоимпрессионизма

Николай Калмаков, Фимиам. 1915. Бумага на картоне, пастель. Собрание Н.Н. Тимофеева. Ныне в собрании KGallery, Санкт Петербург. Открыть/Комментировать