Получи случайную криптовалюту за регистрацию!

Гоша на дискотеке

Логотип телеграм канала @goshagoesdancing — Гоша на дискотеке Г
Логотип телеграм канала @goshagoesdancing — Гоша на дискотеке
Адрес канала: @goshagoesdancing
Категории: Музыка
Язык: Русский
Страна: Россия
Количество подписчиков: 5.16K
Описание канала:

Лучшие тексты о музыке в интернете
@g_kozhev
https://instagram.com/gosha.na.diskoteke

Рейтинги и Отзывы

1.50

2 отзыва

Оценить канал goshagoesdancing и оставить отзыв — могут только зарегестрированные пользователи. Все отзывы проходят модерацию.

5 звезд

0

4 звезд

0

3 звезд

0

2 звезд

1

1 звезд

1


Последние сообщения 6

2020-11-16 12:01:10 ​​О том, как Брайн Ино создавал компиляцию «Film Music, 1976 - 2020» и почему он не ходит по улице в наушниках:

В 1976 — через три года после ухода Ино из Roxy Music и через один год после релиза его знаковых работ Discreet Music и Another Green World — композитор выпустил альбом Music for Films. «Мне следовало бы назвать его “Music looking for Films” (прим. – Музыка в поисках фильмов)», — заявил с добродушным смехом 72-летний Брайн Ино корреспонденту New York Times. Работа Music for Films стала его очередным исследованием жанра эмбиент, а еще первым покушением на коммерческий успех: музыкант распространил тираж из 500 копий исключительно среди киностудий. Но альбом оказался не востребован кинорынком и дошел до широкой публики только в 1978 году на волне сенсационного успеха другого эмбиент-релиза британца: Music for Airports.

В конце прошлой недели Ино выпустил компиляцию «Film Music, 1976 - 2020», хотя сейчас признает, что с таким же успехом мог бы назвать её «Музыка, которая нашла фильмы». Вошедшие туда 17 треков представляют собой лишь малую часть его композиций, использованных в кино: «С точки зрения моей карьеры в кинематографе существует много важных произведений, которые не попали в эту компиляцию, но они просто не подходили туда», — сообщил британец. Сборник, тем не менее, вышел довольно эклектичный. На нем значатся: жутковатое и гипнотическое сочинение для «Дюны» Дэвида Линча, напряженный трек для «Схватки» Майкла Манна, мечтательная зарисовка для «Замужем за мафией» Джонатана Демми и другие разноплановые записи.

Композитор планирует выпустить еще один или два подобных сборника: «У меня есть время сделать еще парочку — не очень много времени, но должно хватить», — c улыбкой заверил Ино. Британец также рассказал об истории своих отношений с саундтреками. Он признался, что впервые увлекся музыкой к кино в 1965 году, когда посмотрел картину Федерико Феллини «Джульетта и духи». «Помню, что купил альбом с саундтреком к этому фильму, слушал дома и думал, что музыка для кино совсем другая. Она не может быть слишком точной, не должна рисовать всей картины. Ей не нужно описывать каждую деталь — саундтрек, который пытается вести себя таким образом, кажется мне неуместным», — пояснил Ино.

По словам британца, после этого он попробовал писать музыку для фильмов самостоятельно и понял, что главное – не заполнять все звуковое пространство, оставлять некоторые вещи расплывчатыми. Отчасти это и привело его к жанру, которым он хотел заниматься. «Когда я придумывал эмбиент, то осознал, что хочу делать функциональную музыку. В то время функциональная музыка создавалась исключительно компанией Muzak и репутация у нее была ужасная. Композиторы не должны были этим заниматься, а я решил, “А почему бы и нет?”». Как объясняет Ино, главным для него было создать атмосферу. Иногда это могла быть духоподъемная атмосфера афробита, а иногда медленных партий струнных квартетов. «Я подумал – “Что я вообще делаю с музыкой? Использую ее, чтобы создать пространство, в котором живу». Британец решил помогать людям по-новому оформить это пространство.

Таким образом он предвосхитил безумную популярность «атмосферных плейлистов», за счет которых нынче живет Spotify. Тем не менее Ино признается, что у него далеко не всегда получается разглядеть потенциал важных идей. «Когда я жил в Нью-Йорке в 1980-х, то как-то раз встретил композитора Риса Чатема, который шел по улице в наушниках. Помню подумал тогда: “Вот так тупая идея. Это долго не продлится. Зачем гулять, если не слушаешь окружающие звуки?” Совершенно не мог этого понять и до сих пор не хожу с плеером. Ты будто отрезаешь себя от мира. Меня вообще разочаровывает, что большая часть новых технологий направлена на атомизацию общества <…> Становится все больше индивидуализма и меньше сообществ. Конечно, интернет создал новые типы сообществ. Но, к сожалению, это сделано с помощью соц. сетей, а это означает... это как очень интенсивная форма мастурбации».

Полный текст: https://nyti.ms/3felwgV
4.8K views09:01
Открыть/Комментировать
2020-11-09 12:09:10 О том, как работают независимые онлайн-радиостанции Ближнего Востока и Северной Африки:

Глобальный запрет на концерты и вечеринки отлично сказался на развитии онлайн-радио по всем миру и Ближний Восток не стал исключением. «Поскольку FM-диапазон в нашем регионе всегда был оккупирован корпорациями, интернет-радио стало реальной возможностью для независимых музыкантов найти свою аудиторию <…> Оказалось, что юные жители Левана и Палестины готовы вещать на все уголки мира без каких-либо ограничений», — рассказывает уроженец Бейрута Эрнесто Чахуд — ведущий популярной программы Beirut Daze на британском NTS-радио.

Конечно, на Ближнем Востоке до сих пор существует куча проблем с доступом в интернет. Более того, оборудование для трансляций лайвов часто оказывается энтузиастам не по карману, однако поскольку местные власти частенько отменяли концерты и до пандемии, то новая волна ограничений окончательно убедила участников ближневосточной сцены в необходимости развития онлайн-вещания. А многие известные ди-джеи и музыканты в течение последнего года стали куда охотнее принимать участие в эфирах, что добавило радиопроектам популярности.

Так, во время карантина запустилась палестинская станция Alhara. Всего за 24 часа с момента первого эфира пятеро основателей проекта укомплектовали программную сетку сетами лучших электронщиков региона. «Мы все были вовлечены в культурную жизнь наших городов — делали вечеринки и просто поддерживали хорошие отношения с музыкантами и селекторами. Это позволило с первых дней организовать качественное вещание. На запуск нас вдохновили проекты из соседних стран — Radio il Hai Beirut и Radio Alhuma Tunis», — рассказали корреспонденту Resident Advisor (RA) основатели Alhara. В эфире радиостанции уже состоялось несколько громких премьер. Например, впервые был представлен один из последних альбомов Николаса Джара — Cenizas.

Еще один новый значимый проект — Ma3azef Radio из Туниса. Станция была запущена в мае силами редакции одноименного онлайн-журнала. Вещание идет по сменному графику — в будни программы выходят с 12:00 и до 22:00, а в выходные сетка расширяется на ночь. «Будучи фанатами религиозной и народной музыки, мы ставим много шааби (прим. – разновидность восточных фольклорных композиций) из Ирака, Сирии и Палестины. Еще у нас есть еженедельное джазовое шоу, которое ведет Dirar Kalash. Также много клубной и электронной музыки», — пояснили создатели Ma3azef Radio. Постоянной студии у проекта пока нет, а в эфир в основном выходят предзаписанные программы.

Другая молодая станция, на которую стоит обратить внимание — Micro.radio из Иордании. Несмотря на то, что вещание станции началось только в декабре 2019 года, в ее программной сетке насчитывается более 30 регулярных шоу об этнической и экспериментальной арабской музыке, а также о местном хип-хопе и электронике. «Мы стараемся дать платформу всем авторам вне зависимости от происхождения, пытаемся сплотить не только ди-джеев, но и композиторов со всего арабского мира», — заявили RA основатели проекта. Кстати, у станции есть собственная студия, которая находится в Аммане. Особой популярностью среди местных радиолюбителей пользуется пятничное вечернее шоу Micro, успевшее стать флагманом станции.

Более зрелый, но не менее живой проект — стамбульское Root Radio, которым управляют выходцы из Турции, Сирии и Палестины. Как и все предыдущие — это полностью независимая инициатива, создатели которой раньше занимались организацией вечеринок и записью подкастов. «В нашем эфире звучит очень разнообразная музыка: от хип-хопа и регги до джаза и экстремального метала. Помимо этого у нас много ток-шоу. Например, на прошлой неделе мы говорили об экофашизме, традиционализме в музыке, а также движении Riot grrrl», — рассказали RA продюсеры станции.

Полный текст: https://bit.ly/2IeFGuK
3.5K viewsedited  09:09
Открыть/Комментировать
2020-11-02 17:24:39 О том, как столица классической музыки – Вена – превратилась в родину модернизма. Текст журнала Aeon:

Вена, 1912 год. Экстравагантность, которую город стал приобретать в конце предыдущего века, достигла своего пика. На сцене знаменитой Венской филармонии меланхоличный клоун — звезда сочинения «Лунный Пьеро» композитора Арнольда Шенберга — упивается лунным светом, символизирующим дурман вдохновения. Вскоре Пьеро трезвеет и прощается с иллюзиями: недооцененный и поруганный обществом он уплывает на лодке домой в туманный Бергамо. Произведение Шенберга аллегорично и автобиографично: пьяный и обреченный на непонимание клоун стал воплощением образа композитора, который ищет новые средства выразительности. А дерганая и диссонирующая структура сочинения точно передает лихорадочный дух, охвативший жителей Вены перед началом войны.

Эпоха, известная как «Венский модерн» (1890-1913 год), стала периодом бурной художественной, музыкальной и психоаналитической деятельности. В эти годы Зигмунд Фрейд, Густав Климт, Шенберг и другие гении устроили в искусстве и науке революцию. Причем перемены в музыке стали особо радикальными. Многие композиторы, включая Игоря Стравинского, чья «Весна священная» в 1913 году шокировала парижан не меньше, чем работы Шенберга, считали «Лунного Пьеро» одним из произведений, предопределивших развитие музыки в 20 веке. На протяжении целого столетия авторы заимствовали его приемы — например, атональность и особую вокальную технику «шпрехштимме», при которой выдерживается только длительность звука, а не его высота. После Шенберга эти практики развивали другие венские авторы — Альбан Берг и Антон Веберн. В связи с этим музыковеды задаются вопросом: почему истоком взрывного модернизма стала именно Вена, на протяжении веков сохранявшая статус столицы классики, где работали Моцарт, Бетховен, Гайдн и Шуберт?

Ответов предлагается несколько. Дело в том, что Вена была имперским городом c огромными возможностями, куда с 19 по начало 20 века стягивались художники и музыканты со всей Европы. В результате идеи, взгляды и идентичности разных талантов смешивалась, а на свет появлялись новые художественные направления. Например, венская классическая школа музыки — ее представители разработали правила гармонии, которым больше столетия поклонялся весь западный мир. Однако, когда покровительство империи над Веной стало сходить на нет, а ее население выросло с 250 тысяч до 2 миллионов — ослабевающей монархии стало сложно сдерживать накопившиеся идеологические конфликты. Обстановка накалялась. Из-за этого ближе к Первой мировой в Вене стали явно ощущаться предапокалиптические настроения и вместе с тем работала масса авторов, которые пытались описать происходящее. Так и зародился язык модернистов.

Второе объяснение более узкое — катализатором изменений в искусстве стали открытия Фрейда. Теория австрийца, согласно которой все душевные процессы продиктованы бессознательным, а мысли во многом формирует либидо, заворожила культурных деятелей и мотивировала их исследовать эти идеи в сфере живописи, литературы и музыки. Воплощением такого искусства стали гротескные и эротические картины Густава Климта и Эгона Шиле, провокационные пьесы Артура Шницлера и композиции Шенберга. При этом, если изобразительное искусство «Венского модерна» стало туристическим символом города, то музыка того периода скорее отталкивала людей. Упреки в ее «умозрительности» и «учености» делали даже образованные музыканты.

Вообще же, весьма вероятно, что единого объяснения раннему зарождению музыкального модернизма в Вене искать неправильно, а трансформация традиций произошла под влиянием кучи факторов. Тем не менее, открытия Шенберга в музыке сопоставимы по масштабу с открытиями Эйнштейна в науке. Если последний поколебал позиции ньютоновской физики, то Шенберг расправился с целой вселенной классико-романтической гармонии, которую два века лелеяла европейская культура. А его уплывающий в лодке «Лунный Пьеро» навсегда останется символом апогея культурного расцвета Вены и в то же время — предвестником начала огромной войны.

Полный текст: https://bit.ly/3kMlGxX
3.3K viewsedited  14:24
Открыть/Комментировать
2020-10-16 15:04:22 Давно хотел обратить ваше внимание на раздел Источники, который запустила редакция «Института музыкальных инициатив» (ИМИ). При поддержке специально обученных людей ИМИ кропотливо собирает в нем важные музыкальные телеграм-каналы, документальные фильмы, книги и подкасты. Для меня многие попавшие туда материалы стали реальным открытием. Хотя, конечно, кто-то может заявить, что это скорее говорит о моей ограниченности, чем о размахе проекта. Но, судя по тому, сколько положительных отзывов об «Источниках» я услышал — раздел оказался полезен для многих. Ну и подписывайтесь на их телегу, если любите быть в курсе музыкальной повестки.

Еще одно немаловажное новое начинание ИМИ — проект Специалисты, который может пригодиться тем, кто ищет звукорежиссера, продюсера или просто музыкального преподавателя. В нем редакция формирует масштабную базу открытых к сотрудничеству и в то же время профессиональных участников индустрии. На кинорынке похожий инструмент существует уже лет как 15, а в музыкальной сфере такая площадка появилась впервые.

Ну и раз уж я начал вещать о делах ИМИ, то поделюсь ссылками на два моих последних текста, которые там выходили:

Первый — история о том, как российские любители низкочастотной музыки собирают самодельные саундсистемы (а в добавок записывают для них виниловые и электронные релизы). Кстати, пока работал над этим текстом, узнал, что у нас в стране тоже умеют делать Hi End акустику. Например, ребята из питерской компании Волновод. Но подробней обо всем читайте в самой заметке. И отдельный респект Вове и Дрозду из PZDC Soundsystem, которые помогли сориентироваться в теме.

Второй — история о том, как московское агентство Stereotactic снимает музыкальные клипы для Vtgnike, OL, Mujuice, Motorama и других представителей российского андеграунда. С нюансами клипмейкинга меня познакомил исполнительных продюсер их видео-подразделения - Павел Карыхалин. К моему сожалению – редакторы сайта отодвинули на второй план текста мысль о том, что музыканты все чаще стремятся снимать себе клипы просто потому что современная культура становится все более и более визуальной. А жаль – самоочевидная, казалось бы, вещь, но многие не замечают ее.
3.3K viewsedited  12:04
Открыть/Комментировать
2020-10-16 11:10:19 ​​О том, как британская группа Autechre записывала альбом SIGN, мировой релиз которого состоялся сегодня утром (16 октября):

В физике существует явление квантовой запутанности, при котором частицы, разделенные огромным пространством, демонстрируют в движении устойчивую взаимосвязь. Во многом это напоминает алгоритм работы Autechre – британского дуэта Шона Бута и Роба Брауна – которые с 1987 года создают задумчивую и хитросплетенную электронику.

Еще задолго до пандемии музыканты разъехались по разным концам Европы и попробовали записать альбом в условиях полной разобщенности. В работе они использовали нечто, что сами называют «системой»: два комплекта идентичного оборудования и вручную написанного софта, который позволяет каждому из них действовать автономно, а затем, когда придет нужный момент, делиться материалом и редактировать чужие записи. После начала работы артисты обнаружили, что еще до совместного обсуждения сформировали схожие идеи и музыкальные фразы.

«Мы стараемся трудиться, не ориентируясь друга на друга. Наверное, прошло не меньше года с начала работы прежде чем мы начали обмениваться записанной музыкой», – сообщил Шон Бут корреспонденту The New York Times в одним из редких интервью. «Мы сильно рисковали потому что могли уйти в абсолютно разных направлениях. Но в итоге все время двигались в необычайной параллели», – дополнил его Роб Браун.

Бут и Браун родились в Рочдейле – небольшом городке рядом с Манчестером – и начали сотрудничать во второй половине 80-х. Примечательно, что ни один из них не имел музыкального образования; Браун учился на архитектора в местной школе изобразительных искусств, а Бут шесть месяцев провел на курсах по звукорежиссуре. «Я не чувствую себя музыкантом, – признавался Бут, – Вообще не знаю, как нас лучше назвать; потому что наша карьера началась с дуракаваляния, мы баловались с чужими записями на пленке. Этому мог научиться любой, кто располагал примитивным оборудованием и слушал много музыки».

После выхода десятка альбомов дуэт перешел от более-менее танцевальной музыки – которая отражала последние течения в манчестерском техно, электро и хип-хопе – к непредсказуемому экспериментальному звучанию. Последний крупный проект Autechre, появившийся в 2018 году при содействии британской радиостанции NTS, представлял собой восьмичасовой музыкальный пассаж, который затем был разрезан на четыре лайв-альбома «NTS Sessions 1-4». С тех самых пор легендарная группа работала над вышедшей сегодня пластинкой SIGN.

«Вся эта пандемия погрузила меня в среду, которая разительно отличается от той, что окружала нас во время записи. Тогда наше звучание казалось мне крайне своевременным. А сейчас оно выглядит предсказуемым, хотя план был создать что-то абсолютно самобытное и новое», – рассказывал Шон. Их первый за долгое время студийный релиз действительно оказался слишком взъерошенным, нервическим и зловещим – в общем, провидческим по своему совпадению с общей интонацией 2020 года.

«Иногда я просто переписывал софт, отправлял его Робу, а он в ответ кидал мне эти странные треки. Даже не представляю, как он записал половину из них. Несмотря на то, что мы единственные пользователи наших программ – Роб умудряется использовать их абсолютно еретическим образом», – сетовал корреспонденту NYT Шон Бут. При этом музыканты заявили, что никогда не пишут в чистом виде генеративную музыку (прим. – сочиненную компьютерными алгоритмами), а всегда видоизменяют произведение по ходу пьесы.

И хотя многие слушатели в течение последних лет обвиняли Autechre в том, что, используя компьютерный код, они лишают музыку эмоций, сами артисты с этим категорически не согласны. «Не знаю кто и в какой момент решил, что работа с кодом лишена души и ей нельзя вдохновиться, - удивлялся Шон Бут в разговоре с журналистом, - Я всегда мог прочувствовать такие вещи. Поэтому сейчас задумываюсь – не слишком ли наши эмоции причудливы для того, чтобы люди могли их уловить? Честное слово, не понимаю, как можно думать, что их там нет. Зачем бы нам вообще сочинять музыку, в которую нельзя вложить эмоции?».
4.2K views08:10
Открыть/Комментировать
2020-09-27 20:16:54 О том, как композиторы уходят из кино в индустрию компьютерных игр. Текст журнала Wired:

В 1996 году 31-летний Инон Зур – композитор одного из подразделений 20th Century Fox – получил звонок, которой перевернул его карьеру. Звонивший ему агент искал авторов музыки для видеоигр. И хотя поначалу Зур не воспринял предложение всерьез, скоро он понял, что ресурсы и амбиции производителей виртуальных стрелялок вовсе не уступают возможностям киноиндустрии. Выяснилось, что игры тоже нуждаются в масштабных оркестровых и хоровых сочинениях. Впечатлившись размахом замысла, американский композитор поддался уговорам и выступил автором саундтрека шутинга Star Trek: Klingon Academy. Причем для подготовки записи он использовал симфонический оркестр Сиэтла – один из самых престижных академических коллективов США, ведущий свою историю с 1903 года.

Сегодня Зур пишет музыку к Fallout, The Elder Scrolls, Dragon Age и другим небезызвестным играм. На самом деле перечислить все его знаковые работы трудно – за два десятка лет он успел приложить руку к большому количеству значимых проектов: от Линейки (Linage) до Принца Персии. В итоге Зур стал одним из первых композиторов, которые переключились с фильмов на высокобюджетные компьютерные релизы. «Не то, чтобы кинокомпозиторы прямо убегали в игровую индустрию. Скорее существует небольшая, но постоянно растущая категория авторов, которые могут работать с разными форматами: будь то сериал, фильм или игра. Дело в том, что в последние годы музыка для игр наконец-то начала получать признание, которого давно заслуживает. И это привлекает новых авторов», – считает директор лейбла Laced Records Дэнни Келлехер – его компания специализируется на цифровых и аналоговых альбомах к играм.

Вообще же автором самого иконического саундтрека к игре является японский композитор Кодзи Кондно, который придумал главную тему для Super Mario Bros. Веротяно, ее же можно назвать самым известным примером чиптюна. Характерной чертой этого жанра является заметная инструментальная ограниченность, так как устройства, для которых он создавался, не могли воспроизводить больше 3-4 нот. Чиптюн породил волну новых жанров и увлек целое поколение детишек. Одним из них стал 13-летний датчанин Йеспер Кюд. Впоследствии он настолько подсел на мелодии, которые можно было слушать и создавать с помощью элементарных компьютеров, что начал сочинять их профессионально. Сегодня, по словам Кюда, который стал автором саундтрека для Assassin’s Creed, Hitman и Borderlands, технических ограничений в мире музыки для видеоигр попросту не существует.

«Люди из индустрии компьютерных игр пристально следят за тем, что происходит на кинорынке. А когда дело доходит до музыки, то обе индустрии идут плечом к плечу. Между ними существует значительная связь», — считает Инон Зур. Это означает, что композиции для игр также тяготеют к неоромантическому и эпическому звучанию, которое внедряли в кинокультуру такие гиганты, как Джон Уильямс и Говард Шор. И хотя в конечном итоге саундтреки для виртуальных миров и фильмов часто похожи, записывать музыку для игр на практике оказывается куда сложнее. Во-первых, озвучку для игр начинают создавать еще задолго до того, как готов продукт, тогда как в кино композитор чаще всего смотрит на финальную картинку. Во-вторых, ход музыки в игровом мире генерирует игрок, тогда как в фильмах она идет по намеченному сценарию. Так что для игр необходим интерактивный трек, откликающийся на действия, а значит — имеющий массу вариаций.

«Написать музыку для игровых ситуаций, в которых люди проведут неопределенное количество времени — большой вызов», — считает автор музыки к серии Call of Duty Сара Шахнер. Дело в том, что музыка для игр состоит из сотни разных фрагментов, которые должны гармонично сводиться. Постоянная рекомбинация этих отрезков с помощью звукового движка и позволяет создать саундтрек, который не будет надоедать пользователям, проводящем в игре несколько сотен часов. Но несмотря на все эти сложности, быстрорастущая индустрия компьютерных игр притягивает все больше талантливых авторов.

Полный текст: https://bit.ly/3mWxoHy
3.8K views17:16
Открыть/Комментировать
2020-09-01 18:53:09 Автор прекрасного экспериментального альбома «Разводы» – Александр Артемьев, также известный как Zumvo, 5 сентября выступит на подмосковном Дипломатическом пляже. Пользуясь случаем, предлагаю вашему вниманию его профайл:

Теплые тротуары. Около трех. Суббота. Впереди бежит девушка на высоких цокающих каблуках. Цокот разлетается по всему бульвару, затем по всей площади и утопает в шуме трамвая и комичной ругани бездомных, устроивших на лавочке потасовку. Эти характерные звуки московского лета наверняка могли бы стать фрагментом одной из композиций Zumvo, сольного проекта Александра Артемьева, на встречу с которым я пытаюсь попасть. В июле Zumvo представил свой второй альбом – «Разводы». На нем музыкант красиво и увлекательно переплел всевозможные сэмплы, обрывки аудиосообщений и диктофонные записи, сформировав 10 совершенно шикарных и вместе с тем хулиганских по своему настроению треков. Релиз Артемьева вышел на новом российском лейбле CANT, который в конце 2019 года запустил музыкант-концептуалист Зуркас Тепла. В общем-то CANT – явление крайне самобытное и важное, так что советую не пропускать его релизов.

«Все началось с предложения Зуркаса издать мою первую демозапись. Но в процессе работы мы подготовили целый альбом. Все потому что герою той записи нужен был взгляд со стороны, чтобы картина повествования стала полной. Зуркас смог добавить этот взгляд, а дальше все случилось само собой», – объясняет музыкант, восседая напротив меня на скамейке в одном из дворов Мясницкой улицы. Жанр своего сольного проекта Zumvo Артемьев определяет, как «городской фолк или просто саундтрек к жизни». Ну а название “Zumvo” он выбрал вопреки практике давать группам заумные имена. «Изначально так назывался какой-то французский видеохостинг. Друг прислал оттуда ссылку на забавный ролик, ну а мне надо было как-то назваться. Раньше я играл в коллективах (прим. Артемьев – бывший басист Bicycles for Afghanistan, Hatsue Kill и Panihida), участники которых долго думали над названиями, брали цитаты из книжек. И тут как будто сразу возникала какая-то претензия. А у меня нет никакой претензии», – рассказывает музыкант. Его альбом «Разводы» действительно отличается простой и озорной тональностью, которой лично мне часто не хватает в авангардной музыке. Ну а при встрече с Артемьевым еще больше убеждаешься в его доброжелательной искренности.

«Кажется, музыка была в моей жизни почти всегда. В детстве меня легко было успокоить мелодиями любимых аудиокассет. Родители это быстро просекли, включали плеер, надевали наушники, и я утихомиривался», – вспоминает артист. Спустя три десятка лет музыка все еще остается для него главной терапией: «В недавнем интервью Афише я уже рассказывал, что работа с треками помогает мне не сойти с ума от некоторых вещей. Так вот, исследуя звук, я освобождаюсь от заморочек».

Первый альбом проекта Zumvo – «Городки» – Артемьев выпустил в 2018 самостоятельно. Сейчас он называет его хаотичной попыткой создать что-то в технике аудио коллажа, которую с бóльшим мастерством применил на «Разводах». «На первом релизе я как будто шел в тумане на ощупь, а теперь понял в каком направлении двигаться, с какими инструментами работать. В итоге “Разводы” получились более осмысленным и целостным альбомом», – считает он. При этом значительная доля хаоса в его творчестве все же осталась. По признанию Артемьева, он вряд ли сможет вспомнить откуда взял 90% сэмплов, использованных на релизе, но в общем-то и не собирался подходить к творчеству серьезно. А жаль: отчасти из-за этого его работы отсутствуют на многих стримингах.

Живые выступления Zumvo традиционно сопровождаются видеоартом, да и вообще больше напоминают моноспектакль по мотивам альбома, чем обычный концерт. «Мое появление на Fields дополнялось проекциями на трех экранах, плюс я использовал реквизит – все это обогащало происходящее по смыслу. На грядущем лайве, возможно, ограничусь одним экраном, но ­будет не менее весело», – рассказывает Артемьев. Послушать Zumvo вживую можно будет в субботу (5 сентября) на ДИПе, где, кстати, также появятся музыканты «Гост Звука» и Roots United.
5.2K viewsedited  15:53
Открыть/Комментировать
2020-08-27 16:02:11 О великом музыкальном продюсере, имя которого вы никогда не слышали, или история жизни Тома Уилсона:

Без его поддержки участники Velvet Underground так и остались бы в андеграунде. Без его участия Саймон и Гарфанкел могли бы закончить карьеру еще до того, как она по-настоящему началась. Без его помощи Боб Дилан вряд ли совершил бы настолько уверенное восхождение на вершину мировой славы. Этот продюсер помог обрести голос и реализовать свой потенциал величайшим музыкантам 20 века. Он был выпускником Гарварда. Он был убежденным республиканцем. И вместе с тем он был обычным черным парнем из Техаса.

Том Уилсон родился в 1931 году в семье страхового агента на окраине городка Уэйко. При этом родители будущего продюсера всерьез увлекались музыкой – отец дирижировал хором, а дед организовывал джем-сессии лучших местных джазменов. Сам же Уилсон еще в школе научился играть на тромбоне. Также юного Тома регулярно водили на службу в баптистскую церковь «Новой надежды», где в те годы начинал карьеру баритон Джулс Бледсо – впоследствии первый звездный оперный певец из афроамериканского комьюнити. Окончив школу, Уилсон поступил в Университет Фиска, а оттуда перевелся в Гарвард, где присоединился к джазовому сообществу.

Выпустившись из университета 1954 году, Том занял у родителей $900 и запустил лейбл Transition Records. Одним из его первых подписантов стал авангардный пианист Sun Ra, на тот момент выпустивший только пару синглов. Благодаря Уилсону музыкант и его группа издали полноценный альбом – Jazz By Sun Ra. Затем продюсер помог с выпуском первой пластинки 23-летнему джазмену Сесилу Тейлору, работа получала название Jazz Advance – ныне многие критики называют ее одним из сильнейших дебютных альбомов в истории джаза. Всего на лейбле Уилсона вышло 22 пластинки, включая одну неизданную работу с участием Джона Колтрейна.

В 1963 году юный продюсер перешел в Columbia Records, став первым черным специалистом в компании. Ему поручили довести до ума пластинку начинающего фолк-певца по имени Боб Дилан. Уилсону такое задание не особо понравилось: «Я записывал джазовые альбомы с гениями и был убежден, что фолк-музыка – развлечение для тупоголовых. Но затем я услышал слова песен Дилана». В итоге Дилан и Уилсон отлично поладили и выпустили 4 альбома, включая легендарный The Freewheelin' Bob Dylan. В одним из интервью музыкант признал, что Уилсон оказал на него огромное влияние и помог записать треки, предопределившие звучание рок-н-ролла второй половины 60-х. В довершении сотрудничества продюсер помог Дилану с созданием сингла «Like a Rolling Stone».

Затем Уилсон спас от исчезновения Саймона и Гарфанкела – их дебютных альбом Wednesday Morning 3 AM почти не продавался, а сами музыканты уже разбежались по разным частям света. Продюсер почувствовал потенциал одной из песен - Sound of Silence - и настоял на том, чтобы дуэт перезаписал ее при участии музыкантов, работавших над альбомами Дилана. Новая версия композиции возглавила итоговый американский чарт 1965 года, а Саймон и Гарфанкел воссоединились. На фоне этих событий за Уилсоном закрепилась слава черного чудака-республиканца, который работает только с белыми артистами.

В 1966 году специалист отправился работать A&R-скаутом на лейбл Verve, сходу подписав контракт c еще никому неизвестными ребятами из Velvet Underground. Благодаря участию Уилсона группа смогла закончить свой первый альбом - The Velvet Underground & Nico. По признанию Джона Кейла, лучшего продюсера чем Уилсон у Velvet Underground больше не было.

В общем-то Уилсон наверняка успел бы сделать еще много удивительных вещей, но скоропостижно умер в 1974 году (в возрасте 47 лет). Как же вышло, что о нем почти никто не слышал, в то время как о таких продюсерах, как Джордж Мартин и Эндрю Олдмэн слагают легенды? Возможно, дело в его неприятии афроамериканским сообществом, которое не выносило его республиканских взглядов. Возможно, в том, что за последние несколько лет он не отметился чем-то по-настоящему выдающимся. Так или иначе – Уилсон остается одним из самых невоспетых музыкальных продюсеров 20 века.
3.7K viewsedited  13:02
Открыть/Комментировать
2020-08-13 19:08:22 О том, как записанная в спальне мелодия оказалась самым успешным танцевальным треком 1999 года или история Flat Beat от Mr. Oizo:

Вероятно, тот факт, что трек электронщика Квентина Дюпье, более известного как Mr. Oizo, несколько лет звучал в лучших клубах мира, доказывает, что конец 90-х был крайне простым и свободным от предрассудков временем. Ведь по сути композиция Flat Beat – это банальная музыка из рекламы Levis. Несмотря на это, она не только стала международным хитом, но и оказала значительное влияние на целое поколение продюсеров, положив начало такому жанру, как электро-хаус. Безумная, как заставка детского телевизионного шоу, но в то же время достаточно ритмичная для того, чтобы раскачивать танцполы – Flat Beat всего за пару недель завоевала эфиры западных каналов и радиостанций. Согласитесь, очень даже неплохо для «тупой мелодии», записанной 24-летним начинающим музыкантом с помощью дешевого оборудования.

«Я не особо шарил в хаусе и техно. Понятия не имел как их делать, просто совершал первые шаги в этом направлении. Flat Beat – это один из них», – объяснял журналистам Дюпье. Молодой француз начинал музыкальную карьеру с записи битов, вдохновившись творчеством Wu-Tang Clan, и вовсе не собирался полностью переключаться на клубные треки. Но к этому Квентина подтолкнули рекламщики из агентства BBH. Дело в том, что они каким-то чудом увидели единственный на тот момент клип Дюпье (Mr. Oizo), в котором лохматый парень путешествовал по югу Франции с желтой куклой. Эти образы так впечатлили представителей агентства, что они убедили своих клиентов из Levis сделать парня и куклу лицом промокампании. По такому случаю Дюпье согласился записать для рекламы производителя джинсов 30-секундное демо, которое впоследствии превратилось в легендарный трек Flat Beat. Причем создавалось оно за два часа в спальне у родителей с помощью пиратского софта и двух подержанных синтезаторов.

Когда Дюпье впервые попал на съемочную площадку ролика Levis и включил Flat Beat – все присутствующие слетели с катушек. «Народ был в восторге, все хотели оставить мелодию, хотя это была пробная зарисовка», – вспоминал музыкант. Сценарий рекламы не сильно отличался от сюжета клипа – лохматый водитель и желтая кукла снова катались на машине под электронику. Итоговая версия проекта вышла в 1999 году и моментально стала вирусной, а через несколько недель после премьеры в интернете стали появляться бутлеги Flat Beat. «Это была тупая мелодия, которую я за один вечер придумал в спальне родителей, а люди сэмплировали ее из рекламы джинсов, чтобы ставить в клубах. Сумасшествие какое-то, если задуматься», – объяснял Квентин.

Все в том же 1999 году Дюпье вооружился сэмплером AKAI SS1000, пиратским софтом Cakewalk, а также синтезаторами Korg MS-20/Roland TR-606 и создал официальную удлиненную версию трека. Добившись приемлемого качества записи, музыкант разослал композицию по всем крупным парижским лейблам и получил кучу отказов. Людям нравилась мелодия, но никто не хотел издавать музыку из рекламы. Никто, кроме Лорана Гарнье. Он согласился выпустить пластинку с треком у себя на лейбле F Communications и к собственному удивлению продал ее тиражом в 3 миллиона копий. Так композиция Дюпье стала самым востребованным электронным релизом года во Франции.

Конечно, ключевым элементом успеха как трека, так и самого Дюпье, была желтая кукла Flat Eric. По словам музыканта, он купил ее в 98 году на блошином рынке. Причем на тот момент у нее не было тела – продавалась лишь оторванная голова. «Кукла была старая и замызганная, ткань почти выцвела, но я сходу в нее влюбился», – рассказывал музыкант. Пришив Эрику новое тельце, он снял куклу в уже упомянутом клипе на свой дебютный электронный трек. А впоследствии – в рекламе Levis и официальном клипе Flat Beat, благодаря которому Eric превратился в одного из первых вирусных персонажей интернета.
4.6K views16:08
Открыть/Комментировать
2020-07-16 14:12:21 Вероятно, по случаю запуска Spotify в России кому-то из моих читателей будет любопытно освежить в памяти следующие тексты:

• О том, как Spotify следит за психологическим состоянием пользователей и продаёт собранную информацию рекламодателям
• О том, как Spotify душит независимую музыкальную сцену
• О том, как Spotify стал главным продавцом музыки в мире
9.9K views11:12
Открыть/Комментировать