Гоша на дискотеке

2021-09-05 16:51:42 О том, как найти себя или разговор с московским композитором Павлом Миляковым о его новом альбоме «Blue»:

У всех людей есть светлая сторона и ее антипод — более темный образ, эдакий доппельгангер. Заметный персонаж российской и западной электронной сцены — Павел Миляков — не исключение из этой парадигмы. Миляков, также известный благодаря своему более танцевальному проекту Buttechno, с 2014 года выпускает альбомы, которые относятся к самым разным направлениям своего жанра и получают высокие оценки изданий вроде Pitchfork, Quietus и RA. К сегодняшнему дню Павел успел записать шесть альбомов под своим настоящим именем, и еще шесть — под псевдонимом Buttechno. Выступлений тоже было немало — музыкант объездил с лайвами и сетами значимые фестивали и площадки: выступал на Berlin Atonal и CTM, в Bassiani и Berghain.

Месяц назад Миляков представил новый альбом «Blue» — завораживающий и мелодичный. Вместе с киевской вокалисткой Яной Павловой он записал сотни треков и отобрал из них для совместного релиза семь единых по настроению. Как пояснил музыкант, в основе всей записи лежит голос Яны, который задал настроение альбома. «Мне всегда очень нравился ее тембр. У нас давно была идея сделать что-нибудь вместе и для этого Яна подготовила много материала», — рассказывает композитор. Получив вокальные зарисовки, он начал экспериментировать с ними, программируя и создавая в софте модульные системы.

«Софт дает возможность создать инструмент любой сложности — там нет лимита. Вообще, если послушать альбом “Blue”, то можно подумать, что там просто записаны бас, гитара и шумы. На самом же деле это сложное взаимодействие сэмплов, которые смешивают алгоритмы, а затем я выбираю из этого то, что мне кажется ценным. Из тысячи фрагментов один будет интересным, его и нужно дорабатывать», — рассказывает музыкант. По словам Милякова, работа шла в фоном режиме около двух лет. Весь процесс происходил дистанционно, за время создания альбома музыкантам так и не удалось увидеться. Таким же образом Миляков в 2020 году выпустил совместную работу с Алексом Чжаном Хунтаем — одним из любимых музыкантов Дэвида Линча, и еще одну — с норвежским саксофонистом Бендиком Гиске.

«Мы сделали около 200 треков с голосом Яны. Работа с ними еще продолжится. Те, композиции, что вошли на “Blue”, вызывают у меня разные ассоциации — и в плане формы, и в плане звучания. Но я не могу выделить из них что-то одно и воспринимаю все это как целое», — рассказывает Buttechno. Помимо голоса киевской вокалистки на «Blue» звучит саксофон Алекса Чжана Хунтая (трек Possibility) и бас-партия московской группы Son acido (трек Midnight Blues). Для любителей физических носителей альбом выпустили на CD тиражом в 50 копий. Миляков не исключает, что в будущем может организовать живое выступление по мотивам «Blue» и уже прикидывал состав возможных участников лайва, но из-за сложностей с логистикой в ближайшее время концерта ждать не стоит.

Обложку для нового релиза, на которой изображено по меньшей мере таинственное существо – то ли тень, то ли исчезающий темный двойник – сделал сам Миляков. Музыкант сообщил, что это кадр из клипа для композиции со следующего совместного альбома с Яной Павловой. «В этом году выйдет еще одна работа, в которой будет 10 треков с более тяжелым звучанием», — пояснил Buttechno. Что же касается «Blue», то он, напротив, оставляет после себя ощущения прозрачности и умиротворенности. В связи с этим – как и обещано в начале текста – скажем пару слов о том, как найти себя. Так вот: найти себя трудно. Но реально, если успокоиться и прислушаться, в чем отлично помогает «Blue». Открыть/Комментировать

2021-08-28 13:17:00 О том, как композитор Джон Кейдж наглядно продемонстрировал, что для человека не существует абсолютной тишины, или история пьесы «4′33″»:

На свете есть много разновидностей тишины. Например, тишина ночного переулка, которую нарушает отдаленный гул машин. Или тишина кинозала во время напряженной сцены на экране. Или мирная тишина рощи, в которой поют жаворонки. А еще есть тишина, свойственная произведению «4′33″», написанному в середине XX века Джоном Кейджем. Предыстория этой пьесы начинается в 1940-е, когда авангардный американский композитор увлекся дзен-буддизмом и исследовал сопутствующую ему тему молчания. Кейдж пытался понять, как отсутствие звуков влияет на людей и часами сидел в звукопоглощающей камере — помещении с нулевой реверберацией, в котором человек слышит лишь свое дыхание и биение сердца.

В те времена Кейдж водил близкую дружбу с художником Марселем Дюшаном, который еще в 1917 году заявил, что искусством может быть все что угодно, выставив на престижной арт-ярмарке обычный керамический писсуар. Вдохновившись его примером, Кейдж решил, что музыкой тоже может быть все что угодно. Как рассказывал сам композитор, в конце 1940-х на него также оказали влияние работы американского художника Роберта Раушенберга — композитор устанавливал его огромные белые полотна на сцене во время выступлений. Творчество Раушенберга натолкнуло Кейджа на мысль о том, что искусство может быть декоративной плоскостью, своего рода чистым холстом, на фоне которого людям становится проще познавать окружающий мир.

Все это побудило американского автора создать пьесу «4′33″», которую может исполнить любой состав музыкантов. Произведение разделено на три части. На премьере в 1952 году на фестивале в Нью-Йорке начало и конец каждой части обозначались открытием и закрытием крышки рояля. Как вы уже поняли — концепция пьесы заключается в том, что на протяжении 4 минут и 33 секунд музыкант просто сидел за инструментом. Некоторые из зрителей вышли, а один из присутствовавших выкрикнул в зал: «Добрые люди, давайте выгоним этих людей из города!»

Своим произведением Кейдж постулировал, что для слушателя просто не существует такого явления как тишина. Во время любого концерта аудитория чувствует посторонние шумы: шорох одежды, кашель соседей, скрип стульев и так далее. И даже если в зале на секунду воцарилось безмолвие, то зритель слышит «звуки» своих мыслей. «Все, что мы делаем, и есть музыка», — заявил Кейдж по итогам своего эксперимента. Он не испугался негативной реакции и пошел в своих опытах дальше — исполнял пьесы на кактусах, давал концерты с помощью рюмок, ванн и кувшинов, а также препарировал пианино, вставляя в него вилки, тетради и прочую ерунду. Со временем его признали одним из главных новаторов XX века — музыку Кейджа выпускал на своем лейбле Брайан Ино, кавер-версии его работ записывали Sonic Youth, а Том Йорк назвал британского композитора «арт-героем всех времен».

Работу «4′33″» осмысляют до сих пор. К примеру, известный британский лейбл Mute Records (выпускал Nick Cave and the Bad Seeds, Moby, New Order, Yeasayer, Depeche Mode) в 2019 году издал на виниле сборник каверов «Stumm433», на котором свое видение композиции «4′33″» представило 58 разных музыкантов, среди них — Liabach, Erasure, Goldfrapp и другие. «Думаю, что сегодня мир стал даже более уместным местом для прослушивания 4′33, чем тот, в котором Кейдж впервые представил свою работу, ведь вокруг стало намного больше шума. Я не говорю, что это плохо, но учитывая обилие информации, у нас остается все меньше времени на ее изучение. Люди слышат массу вещей, но не успевают сосредоточиться и подумать, что реально происходит», — считает основатель Mute Records Дэниел Миллер. Открыть/Комментировать

2021-08-16 11:57:01 Один из выдающихся ди-джеев современности — Аврора Халяль — 21 августа выступит на фестивале Signal. Пользуясь случаем, предлагаю вашему вниманию ее профайл:

Философия выступлений Авроры Халяль соткана из противоречий. «Я бы сказала, что пытаюсь создать что-то одновременно и очень интимное, и крайне оголтелое. Хочется, чтобы люди получили мощный танцевальный опыт и в то же время — пищу для размышлений. Все должно происходить с широким эмоциональным резонансом: в диапазоне от мечтательных рефлексий до конфронтаций. Такой микс светлого с темным», — сообщила Аврора Халяль журналистам, которые попросили ее описать стилистику собственных сетов. Впрочем, из противоречий сотканы не только выступления Авроры, но и многие связанные с ней явления.

Несмотря на большую популярность среди любителей электроники, Халяль старается быть непубличной — редко дает интервью, не ведет соцсети и не устраивает своим релизам pr-кампаний. Известно, что большая часть ее детства прошла в Вашингтоне — отнюдь не самом рейверском городе США. По словам Авроры, она увлекается музыкой с 13 лет и вначале этого пути отдавала предпочтение панк-коллективам вроде Fugazi. К электронике Халяль пришла в 2004 году, когда ей было около 15. «В ту пору слушать электронную музыку было, мягко говоря, немодно, а слово “техно” ассоциировалось у людей с сомнительными фестивалями вроде Eurotrance», — вспоминает она.

Однако любовь Авроры к электронике разжег вовсе не мейнстрим, а локальные загородные фестивали в лесах около Вашингтона, на которых звучали треки Артура Рассела, Newworldaquarium, Actress и других независимых авторов. «Я влюбилась в эту музыку и почувствовала желание участвовать в происходящем. Решила делать видеоинсталляции и демонстрировать их на рейвах», — рассказывает Аврора. Ее видео-арт стал пользоваться спросом и украшал большинство местных фестивалей. Спустя пару лет Халяль стала частью минимал-вейв дуэта Innergaze, где играла на драм-машинах и семплерах, при этом продолжая заниматься видео и продумывая сценографию для всех выступлений группы.

Прорыв в карьере Халяль случился в 2010, когда она в учебных целях перебралась из Вашингтона в Бруклин. Причем изначально Аврора прославилась не как ди-джей, а как промоутер. Дело в том, что в те годы в Нью-Йорке ощущалась нехватка камерных эвентов с самобытной электроникой. Заметив пустующую нишу, Аврора запустила серию вечеринок Mutual Daydreaming (MD). Особенность ее эвентов заключается в невероятном оформлении, некоммерческом характере и сильном лайн-апе (Ron Morelli, Terrence Dixon, Dez Andres). Основной акцент делается на отрешенность от официальной клубной сцены — Халяль снимает рандомные пустые площадки и сама занимается всей организацией. Что опять-таки парадоксально – рекламы нет, приглашения передаются из рук в руки. Тем не менее к 2014 году о начинаниях Халяль знала вся западная сцена, ее профайлы появились в RA, Vice и других не самых последних изданиях. Так что в какой-то степени можно сказать, что на Signal едет человек, ответственный за ренессанс андеграундных электронных вечеринок Нью-Йорка.

Аврора начала регулярно выступать как диджей с 2013 года, когда вечеринки MD оказались в центре всеобщего внимания. В ее сетах преобладает суровое, быстрое техно с яркими психоделическими вливаниями. «Гипнотические мотивы, рискованные комбинации, захватывающие эмоциональные перепады и даже неудобные для слуха пассажи — все это обязательные элементы моих выступлений. Мне не интересны лоу-фай и диско, моя тема — это объемные психоделические погружения», — объясняет Халяль, которую вот уже почти 10 лет с радостью принимают у себя лучшие клубы мира (Nowadays, Berghain, De School). Поучаствовать в захватывающих эмоциональных перепадах под руководством Халяль можно ночью 21 августа (с 03:00 до 05:00) на фестивале Signal. Дерзайте: https://signal.live/ Открыть/Комментировать

2021-07-31 13:54:05 О том, как американский музыкант Huerco S записал альбом, ставший началом новой эпохи в эмбиент музыке (а затем полностью ушел из этого жанра):

В середине 2010-х годов, когда западное общество одолевала политическая смута — Британия выходила из Евросоюза, ЕС переживал миграционный кризис, а Америка выбирала Дональда Трампа — музыкальные издания заприметили возрастающую популярность эмбиента. Как отмечают авторы Bandcamp Daily, запрос на спокойные треки весьма вероятно был связан с тем, что слушатели больше обычного хотели уйти от повседневных волнений. Схожие настроения передались и музыкантам. За три дня до референдума по брекзиту американец Брайан Лидс, он же Huerco S, выпустил свой второй альбом — For Those Of You Who Have Never. And Also Those Who Have (Для тех из вас кто никогда этого не делал. И также тех, кто делал) — сомнамбулическую работу с тонкими, полупрозрачными отсылками к техно.

Уже спустя три месяца Pitchfork закинул пластинку в список 50 лучших эмбиент альбомов всех времен, а авторы Guardian назвали Huerco S лучшим из новых эмбиент-музыкантов. Альбом «For Those Of You…» стал для современного поколения тем, чем работа «Disintegration Loops» Басински стала для людей, развлекавшихся электроникой в начале 2000-х. Проще говоря — вещью успокоительной и крайне знаковой.

На запись у Лидса ушло около двух лет — альбом создавался в ходе импровизационных сессий, которые он проводил дома в Нью-Йорке. Импровизации длились около 45 минут, за это время музыкант успевал задействовать целых ворох старых инструментов, включая свой любимый синтезатор Ensoniq ESQ-1. В ранних интервью музыкант рассказывал, что начал записывать эмбиент вместо привычного для него техно, чтобы снабдить себя успокаивающей музыкой на время длинных перелетов. Но сегодня, спустя пять лет после выхода альбома, он заявляет, что не хотел, чтобы его работа стал саундтреком для расслабона.

«Здорово, кончено, что пластинка помогает людям выдохнуть… Думаю она приносит им успокоение. Но для кого-то такой музыкой может быть и Cannibal Corpse. Комфорт — это не всегда что-то похожее на Брайана Ино», — заявляет Huerco S. Однако тут надо отметить, что в отличие от работ старика Ино, создающего музыку, которая мимикрирует под природу и становится почти незаметной — треки Huerco S часто напоминают слушателю, что не являются частью окружающего мира. Например, композиции «On The Embankment» или «Promises Of Fertility», которые обрываются, не дозвучав до конца. «Не вижу смысла пытаться скрывать, что это обычная запись и она не может продолжаться вечно», — считает Лидс.

Собственно, с момента выхода релиза «For Those Of You…» тяга Лидса к эмбиенту постепенно сходила на нет. С тех пор он так и не выпустил ни одного трека под псевдонимом Huerco S. Во многом его отпугнула та слава создателя музыки для чиллаута, которую он получил. «Понимаете, Huerco S полюбили за тот тип эмбиента, который меня отталкивает. Как-то я прочитал в Guardian статью о возрождении эмбиента, где говорилось, что Huerco S переосмыслил этот жанр для поколения флэт вайт (английский термин, происходящий от названия одноименного кофейного напитка. Используется для обозначения изнеженной и примодненной публики – прим.). Это заставило меня сделать шаг назад… Дело в том, что сегодня эмбиент музыка превратилась в формат “Beats to study to” (биты для учебы), в музыку капитализма и продуктивности. Она не требует внимания, не проникает в твои мысли. От этого факта меня воротит. Чувствую ответственность за эту трансформацию», — рассказал Брайан Лидс журналистам Bandcamp Daily.

Тем не менее, Лидс признает, что вышедший пять лет назад альбом до сих пор помогает ему зарабатывать на жизнь и он благодарен за это судьбе. В конце концов, возможно, эта знаковая для истории эмбиента работа настолько же открыта для вольной интерпретации, насколько и эпоха, в которую она была выпущена. Ну а Брайан Лидс на волне ее успеха успел объездить весь мир. Несколько раз выступал и в России – на «Архстоянии» и в «НИИ» (кстати, у представителей НИИ сегодня творческий вечер, заглядывайте). Открыть/Комментировать

2021-07-07 17:55:00 ​​Пир после чумы и история одного из пионеров электронной музыки в России

В эту среду в онлайн-журнале фонда V–A–C Sreda можно найти 2 обновления.

Музыкальный журналист Георгий Кожевников написал статью о творчестве культовой фигуры московской новой волны 80-х — авангардном музыканте Юрие Орлове. О его экспериментах с конкретной музыкой, эйсид-хаусом и электропанком — читайте в онлайн-журнале.

На главной странице можно посмотреть видео Виктора Тимофеева «Эдип», которое он сделал для театральной постановки в Театре в Сен-Марсель-де-Фелин (Франция). В этой работе показано вымышленное пиршество по случаю окончания эпидемии чумы.

#vacsreda Открыть/Комментировать

2021-06-30 15:21:31 По просьбе «Гоши на дискотеке» московский коллекционер и диджей Андрей Рамонов рассказал об альбомах, которые оказали на него самое большое влияние:

Gray – Shades Of... | «Группа режиссера Майкла Холмана и известного художника Жана-Мишеля Баския. Прекрасный пример звучания Нью-Йоркской подпольной сцены начала 80-х. Причем первый раз эту работу выпустили в 2010 году, но писали ее, естественно, в разы раньше. По сути это очень мультижанровая штука. Тут и авангард, и индастриал, и ноу-вейв. Некоторые треки можно даже трип-хопом назвать. Абсолютно опережающий свое время альбом. Боюсь представить, что они там для вдохновения использовали».

Bjørn Torske – Nedi Myra | «Этот альбом вышел на классическом электронном лейбле Ferox. Медленный и максимально приятный хаус от легендарного норвежца Бьёрна Торске, он же Ismistik. Очень знаковый персонаж для электронной музыки. Кстати, его в московский НИИ один раз привозили. Про Торске и норвежскую танцевальную сцену есть прекрасный док Northern Disco Lights. Советую всем любопытствующим. Что касается альбома Nedi Myra – эта довольно легкая по настроению работа. В основном я играю более техновые вещи Торске и публика шикарно реагирует».

Stasis – Inspiration | «Стасис, он же Стив Пиктон. Абсолютный гений британского эмбиент-техно. Это его первый альбом. Треки забиты звучанием ныне винтажных драм-машин и всяких там замороченных синтезаторов. Такая аутсайдерская история. Видно, что чувак был абсолютно безумен в сборе оборудования. Интонация кардинально отличается от современной электроники, записанной с помощью софта. Плюс Стасис часто играет с ритмом. Идеально для танцпола на мой взгляд. Кстати, винил Inspiration редкий – около €70 придется выложить, но он того стоит».

Robert Leiner – Visions of the past | «Эта пластинка вышла на бельгийском лейбле R&S в 94 году. Один из лучших примеров сочетания эмбиента, техно и транса. Люблю, когда эти жанры смешивают. Звучит максимально безумно. Такие альбомы, как Visions of the past, отмечают характер своего времени. Тогда куча людей пыталась заниматься похожими вещами, это же была эпоха рейва, но именно у Лайнера получилась выдающаяся работа. Не думаю, что сейчас есть смысл издавать что-то похожее, хотя много музыкантов еще использует старое железо и хочет писать подобную музыку».

Don Cherry – Home boy (Sister Out) | «Эта вещь сочетает в себе афробит, фьюжн и немного электроники. В продакшене принимал участие знаменитый французский саунд дизайнер Рамунтчо Матта. Альбом вышел в 85-м году и абсолютно непохож на другие работы Дона Черри потому что в 60-е и 70-е он больше играл фри-джаз. Вообще Дон Черри мастер карманной трубы, была у него такая специальная, ужасно громко пищит. Я раньше любил ей всех терроризировать. А здесь у него вышел шикарнейший альбом для прогулок. Если у меня расслабленный сет, то всегда беру его с собой».

Beaumont Hannant – Texturology | «Классика британской электроники. Смесь эмбиента, IDM и электро от ныне неизвестно куда пропавшего артиста. Обратите внимание, что у Бимона есть два альбома с названием Texturology. Первый том – на виниле и CD, второй – только на виниле. Треки на них абсолютно разные. Я говорю про тот, что вышел только на виниле. По стилистике он тесно связан с творчеством дуэта Autechre – фактически музыканты одновременно исследовали одно и то же направление. Увы, суперзвездами суждено было стать только Autechre».

Аквариум – «Десять стрел» | «На мой взгляд этот альбом – лучшее представление русского фолка. По звучанию он мне нравится гораздо больше остальных работ группы. То ли он как-то особо проникновенно там поет, то ли все шикарно играют на гитарах, то ли еще что-то…В общем запал он мне в душу, хотя я много всего у Аквариума послушал, когда работал в виниловом магазине. У них же вообще все выходило на виниле».

Напоследок рекомендую подписаться на саундклауд Рамонова, куда он периодически выкладывает новые миксы. Аминь: https://soundcloud.com/andrew-ramonov Открыть/Комментировать

2021-06-19 14:52:16 О странном и увлекательном мире лайбрари мьюзик:

Историю развития такого феномена, как лайбрари мьюзик (также известного как продакшн-музыка), нельзя назвать закономерной или естественной. Прежде всего, потому что об этом жанре вообще не должны были узнать широкие массы. А еще потому что ее авторы чаще всего ничего не знали о судьбе своих произведений. Короче говоря, история продакшн-музыки богата необычными деталями.

Что же такое лайбрари мьюзик? Это сборники фоновых треков, которые создавались для использования в бюджетных телесериалах, фильмах и рекламах. Традиционными способами – т.е. какими-либо видами физической дистрибуции – лайбрари мьюзик долгое время не распространялась. Купить ее будучи обычным слушателем или даже коллекционером было невозможно. Кто занимался ее производством? Специализированные лейблы (KPM, Selected Sound, de Wolfe и другие), нанимавшие композиторов и сессионных музыкантов под создание мелодий для самых разных контекстов – мелодрам, комедий, спортивных программ и сай-фай шоу. Права на подобные произведения после записи полностью переходили звукозаписывающим компаниям и попадали в их каталоги. Музыканты же получали гонорары, кланялись и оставались не при делах.

Киностудии предпочитали продакшн-музыку обычному поп или инди-материалу исключительно из-за простоты использования. Чтобы взять произведение из каталога к себе фильм продюсерам не нужно было спрашивать чьего-либо разрешения или спорить о цене с музыкантами – достаточно лишь заплатить лейблу стандартизированную цену, и все были счастливы. В течение нескольких десятилетий лайбрари мьюзик была везде: в кулинарных шоу, в новостях, в рекламе автомобилей, в ужастиках и порно. К 1960-м на западе существовали десятки компаний с внушительными каталогами эксклюзивной музыки для кинопроизводства. К началу 70-х их стало в разы больше, в основном они располагалась в Лондоне, Париже и Риме. В 80-e стоковую музыку производили сотни лейблов – полки хранилищ ломились от винила, а киношники ходили к ним, как в дом родной.

Тем временем лишь немногие зрители понимали, что за музыка играет в значительной части рекламы и фильмов. Более того – никто не мог достать ее для частного прослушивания. Однако затем в истории лайбрари мьюзик случился переломный момент. В 90-е, когда весь мир стал переезжать на CD, а пластинки стали невостребованны, лейблы начали избавляться от залежавшегося винила, и эта редкая, непредназначенная для широкой аудитории музыка в буквальном смысле оказалась на улице. Старые телевизионные мелодии всплыли на виниловых ярмарках, и коллекционеры наконец поняли, откуда бралась музыка, которой были наполнены фильмы категории Б, классические полицейские шоу и прочая муть 70-х и 80-х годов.

На рынке винила появлялась отдельная, неисследованная коллекционерами ниша. Цены на сборники стоковой
музыки взлетели до небес. Винилы с драматическими мелодиями (Drama suite) стоили под £500, а с возвышенными и игривыми (Flamboyant Themes) под £300. Усилиями энтузиастов в середине 90-х стали появляется компиляции лучших треков с различных специализированных лейблов. Например, винил The Super Sounds Of Bosworth LP, объединивший самые значимые треки Bosworth Music. Более того, продакшн-музыка стала бесконечным источником сэмплов и для авангардных композиторов, и для популярных продюсеров. Так, записанные для безликих фильмов треки британского барабанщика Брайна Беннетта были использованы Канье Уэстом, the Alchemist, Mike Will Made It и другими хип-хоп исполнителями.

В 2010-х годах на лайбрари мьюзик обратили внимание крупнейшие музыкальные издания. Свои тексты со списками лучших лейблов и сборников этого жанра выпустили Pitchfork, RBMA, SPIN и другие. Цены на редкие винилы стали достигать £1000. В 2018 году на свет появился двухчасовой док The Library Music Film, всецело посвященный истории развития жанра. Музыканты и саунд дизайнеры нашли в продакшн-музыке огромный резерв причудливых, странных и радостных звуков. Но все это, увы, было без вокала. Открыть/Комментировать

2021-05-21 13:56:23 О том, как появилась британская онлайн-радиостанция NTS, совершившая революцию в мире музыкального интернет-вещания:

Когда в 2011 будущий основатель NTS Феми Адейеми остался без офисной работы, то захотел попробовать силы в новой сфере. «Я пытался устроиться на одну из лондонских станций, но не достиг особых успехов. Тогда я решил создать что-то свое, вдохновившись примером американских проектов KEXP и WFMU (независимые студенческие станции, укорененные в локальной сцене — прим). Ничего похожего в Лондоне тогда не было, ниша казалась свободной», — вспоминает Адейеми. «Нельзя рассказывать о раннем NTS, не упомянув клуб Plastic People (PP). В те времена, когда у каждого места была жанровая принадлежность, в PP исповедовали широту взглядов — там можно было услышать все. Это была настоящая семья, у нас сформировались одинаковые вкусы, и когда дело дошло до запуска NTS, я обратился к этому сообществу. Я создал платформу, чтобы делиться нашей общей страстью», — пояснил Адейеми.

Вобрав в себя хулиганистую энергию пиратского радио и в то же время выступая за жанровое разнообразие, NTS стал образецом успешного онлайн-радио, на который стали равняться все независимые станции. «Одним из первых, кто без раздумий вступил в проект, стал бармен PP Чарли Боунс. Мы познакомились в 2005, с тех пор я бесконечно благодарен ему за поддержку», — говорит Адейеми. По словам самого Боунса, который уже десять лет ведет на NTS эфир The Do!! You!!! Breakfast Show, Адейеми подарил ведущим беспрецедентную свободу. «Я с колледжа работал на пиратских станция. Каждый раз, когда я откланялся от курса и ставил какой-то редкий трек, я получал по башке. Вы не представляете сколько ограничений существует у пиратов. Так что когда Феми предложил работу, я сразу сказал “да”», — пояснил Боунс. Сегодня его шоу остается флагманом NTS. Сочетая любопытные, но при этом непретенциозные треки с незапланированными, хаотичными интервью, Боунс создал антидот стерильного мейнтстрим-эфира.

Как объясняет креативный директор NTS Табита Торлу-Бангура, радиостанция стала местом для людей, которым сложно вписаться в рамки привычных музыкальных направлений. «Хаотичная рефлексия о мире музыки, о его прошлом и настоящем — вот как бы я описала нашу программную политику. Слушатели NTS так же благодарно реагируют на хардкор-техно, как и на японский джаз. В центре нашей философии лежит понимание того, что люди стали более отрытыми, чем 15 лет назад. Разобщенность спала», — считает Табита. Судя по успеху NTS, так оно и есть — сегодня маленький независимый проект превратился в глобальную платформу с ежемесячной аудиторией в 2,6 млн слушателей со студиями в Лос-Анжелесе, Манчестере и, конечно, Лондоне. Эфир создают около 500 резидентов, среди которых есть и международные звезды (Khruangbin, Hercules & Love Affair, Floating Points), и участники российской сцены («Гост Звук», Rassvet Records, Javybz).

Процветание NTS было бы невозможно без талантливого финансового директора — Шона Маколиффа, который уже 8 лет генерирует станции прибыль, сохраняя эфиры бесплатными. «Сложно поддерживать творческую целостность, когда тебе не платят. Мы поставили себе не самую простую задачу. С первых лет решили, что в эфире NTS никогда не будет рекламы, а слушать программы сможет каждый. Эта позиция является неотъемлемой частью нашего стиля», — рассказывает Маколифф. Издержки создатели NTS покрывают за счет продаж сувенирки, организации эвентов, грантов от частных лиц и государственных структур (типа Arts Council England), крайне селективного сотрудничества с брендами, а также пожертвований от слушателей.

Подытоживая мысли своих коллег, Феми Адейеми заявил, что на самом деле на NTS нет настоящей «музыкальной политики». «Если ведущий шарит в своем материале и со страстью относятся к делу — мы хотим видеть его в своих рядах. Одна из наших главных задач — давать место для самореализации все новым и новым людям. При этом наш главных слоган — “Не суди” (в оригинале Don’t Assume – англ.) и мы должны оставаться крайне гибкими, чтобы придерживаться собственных принципов». Открыть/Комментировать

2021-05-11 12:43:27 Во второй половине мая электронный дуэт Simple Symmetry выпустит дебютный альбом Sorry! We did something wrong. Поговорил с музыкантами и составил профайл их группы:

Сияло прекрасное утро. Казалось, все на танцполе уже тогда знали, что будут скучать по тому небольшому гаражу, где они плясали, по мощёной плитами дорожке, которая к нему вела, и лучам солнечного света, жгущим пылинки в воздухе. Случай этот произошел летом 2016 в столичном клубе «Кругозор», когда два взлохмаченных парня, распивая какой-то светлый напиток, залезли за диджейку. И раздалась музыка — такая же светлая и бурлящая, как и то, что они пили. «С таким музлом силы возвращаются», — прокричал мне на ухо знакомый. Судя по общему оживлению, силы возвращались ко многим. Заключались ли причины подъема только в музыке — оставалось невыясненным. С точностью можно сказать, что окружающим она не вредила. А лично мне надолго запомнилась.

Позже оказалось, что я был на сете дуэта Simple Symmetry (SS), известного, как минимум, на всю ночную Москву. К сегодняшнему дню это объединение из двух братьев — Сергея и Александра Липских, эволюционировало из диджеев в полноценный электронный коллектив. На следующей неделе появится их альбом Sorry! We did something wrong, над которым они неспешно работали с 2018 по 2021. Параллельно Липские гастролировали и побывали в куче стран — от Сингапура до Мексики. Вообще же за 11 лет своего существования SS стали одними из самых востребованных российских электронщиков, выпустили россыпь синглов и ремиксов, попали на страницы Ransom Note, MixMag UK и др изданий. И вот теперь подготовили первый полноформатный релиз.

«Если мы когда-нибудь сможем представить альбом вживую, то в идеале хотели бы сделать это на лесном фестивале. Чтобы рядом журчала река и пели птицы. За последние годы стало понятно, что моменты встречи с природой дают мощный импульс, хотя в детстве она была нам безразлична», — рассказали Липские «Гоше на дискотеке». Они признались, что пока не знают — получится ли презентовать пластинку лайвом. «Потребуется огромный оркестр, чтобы оживить альбом. Там и скрипичные, и бас, и духовые, и пять разных вокалистов. Пока не очень ясно, что с этим делать», — сообщил Сергей.

Дебютный LP дуэта действительно оказался сложносоставным, но при этом обаятельным и веселым — в общем, наполненным фирменным оптимистическим звучанием SS. Кстати, говоря о звучании братья заявили, что всегда работают над его обновлением, но при этом умудряются сохранять собственный почерк. «Мы постоянно во всем сомневаемся. За последний год в нашем саунде произошла настоящая перезагрузка. Мне и Сереже казалось, что нас не узнают, когда мы начнем ставить новые треки. В итоге они замечательно всем заходят. Еще мы отправили новый материал нашему другу Манфредасу (литовский диджей) и он написал: “Как же здорово, что звук обновился, но это прям абсолютные вы”. Мы, мягко говоря, удивились. Но, наверное, это здорово. Значит, что меняется форма, но остается суть», — считает Александр.

Нехарактерным для SS на первом альбоме стал трек с русскими словами (Октопус feat Группа Ветерок) — куда чаще братья используют иностранную лирику. «С английским, в принципе, проще. К фразам на русском у меня всегда пристальное внимание, это очень тонкий момент. Пока мы не нашли в себе способность сочинять на родном, но у Пети (солист «Ветерка» Петр Чиноват) это получается», — пояснил Сергей. Братья отметили, что сегодня вокал является единственной отличительной чертой отечественной электроники, об ином «российском звуке» говорить не приходится. «Это скорее вопрос того, как все обставить. Вот “Гост Звук” круто себя позиционирует как российскую тусовку. А если говорить про звучание, то что там русского? Можно выделить литовский или израильский саунд. Но на самом деле это опасная дорожка — в какой-то момент сцена замыкается и начинает тиражировать одни и те же приемы», — заявили Липские. По их мнению, лучше придерживаться «широкого взгляда на вещи». Лично оценить широту взгляда SS можно будет 21 мая, когда в сети появится их альбом. Открыть/Комментировать

2021-04-19 11:46:08 О том, как маленький Bandcamp оказался прибыльней гигантского Spotify:

На момент запуска в 2008 году основатели Bandcamp хотели, чтобы их сайт стал для музыкантов тем, чем WordPress и LiveJournal когда-то стали для пишущих авторов: возможностью показать свое творчество в сети. Когда же после запуска музыканты принялись загружать на Bandcamp свои альбомы, инженеры компании смекнули, что создали инфраструктуру для торговой площадки, которая может стать альтернативой доминировавшему iTunes Store. При этом они не пошли на поводу у компании Apple, которая назначала для всех альбомов стандартные цены. Вместо этого создатели Bandcamp вдохновились стратегией Radiohead — в 2007 году группа позволила слушателям самим решать сколько платить за ее релиз In Rainbows. Как объяснял один из основателей Bandcamp Итан Даймонд, стартап взял пример с коллектива и дал музыкантам полную свободу ценообразования.

С помощью такой модели американская компания с 2012 года выходит в плюс и приносит своим немногочисленными инвесторам стабильную прибыль. Согласно оценкам проекта Components, чистый доход сервиса за 2021 год составил $21 млн. Группа исследователей провела детальный анализ продаж Bandcamp за сентябрь-декабрь (платформа открыто отчитывается по каждой сделке в реальном времени) и экстраполировала его на 12 месяцев.

Так вот, за четыре месяца через Bandcamp продалось 6,7 млн работ на $61 млн с учетом акции Bandcamp Fridays (половину прошлого года сайт по пятницам отказывался от традиционной 15% комиссии). Без учета Bandcamp Fridays платформа получила $45 млн. В среднем слушатели платили за работы $9,09 и предпочитали переплачивать в 1,24 раза от их изначальной стоимости. За работы с ценой $0 пользователи Bandcamp чаще всего платили $1,35. Наибольший всплеск покупок происходил по пятницам.

Самой крупной статьей дохода Bandcamp стали продажи цифровых альбомов — $24,8 млн. Доход от продаж физики составил $22,2 млн. Остальные средства были выручены от торговли мерчем и отдельными треками. Самыми активными пользователями Bandcamp стали жители США (2,9 млн покупок), Великобритании (1 млн) и Германии (538 тыс.). Россияне на 15 месте с 51,5 тыс. покупок. Наиболее щедрыми оказались канадцы (23,2% переплачивали за релизы), люксембуржцы (23,1%) и американцы (22,4%).

Какие выводы можно сделать? Bandcamp — это редкий вид доходной IT-компании, которая предоставляет людям устаревшую с виду модель, стимулирующую их желание совершать покупки и взаимодействовать с авторами музыки. А как же там Spotify? Большую часть времени компания теряет деньги. За 2020 год ее убытки составили €293 млн. Стриминг приобретает права на популярные подкасты а-ля «Джо Роган экспириенс» и заключает сделки с крупными лейблам. Тем временем большинство пользователей Spotify по-прежнему выбирают бесплатную версию приложения, а остаток слушателей вносит фиксированную плату ₽169/месяц (или больше в зависимости от региона). Средств у компании не остается.

По мнению авторов Components, связано это с тем, что представление Spotify о людях как о субъектах экономики максимально упрощено и в корне ошибочно. Они ссылаются на докторскую работу о пользователях стримингов профессора Калифорнийского университета в Сан-Диего Криса Голински, который пишет, что модель Spotify игнорирует даже тот базовый принцип, согласно которому 80% покупок совершают на 20% покупателей. Также стриминг пресекает прямые отношения между пользователями и музыкантами. Более того, при возможности компания с удовольствием отдаст их работу алгоритмам — она постоянно нанимает спецов по генеративной музыке. Аналогия между действиями Spotify и Uber, переходящим на беспилотные автомобили, напрашивается сама собой.

Итак, Bandcamp прибылен, а Spotify — нет. Первый повышает ценность музыки, второй — шумиху вокруг собственных функций. Bandcamp построил современную бизнес-модель на основе того, что кажется устаревшим, а Spotify создал устаревший бизнес с помощью современных технологий. Ну и, наверное, самое важное — основатели Bandcamp уважают музыкантов, а Spotify, увы, нет Открыть/Комментировать