Получи случайную криптовалюту за регистрацию!

Шедевры мирового искусства

Логотип телеграм канала @worldartstg — Шедевры мирового искусства Ш
Логотип телеграм канала @worldartstg — Шедевры мирового искусства
Адрес канала: @worldartstg
Категории: Искусство и фото
Язык: Русский
Количество подписчиков: 2.83K
Описание канала:

🏛 Всё о мировом искусстве с начала времён - картины, скульптуры, архитектура, графика и др.
🎓 Восхищай друзей новыми знаниями!
Наши стикеры - https://t.me/addstickers/worldartstg
Для связи - @rubanyuk

Рейтинги и Отзывы

3.67

3 отзыва

Оценить канал worldartstg и оставить отзыв — могут только зарегестрированные пользователи. Все отзывы проходят модерацию.

5 звезд

1

4 звезд

1

3 звезд

0

2 звезд

1

1 звезд

0


Последние сообщения 14

2021-07-12 09:18:57
Рафаэль Санти
«Сон рыцаря» («Аллегория»)
ок. 1504
Тополь, масло. 17,1 × 17,3 см
Национальная галерея, Лондон
612 views06:18
Открыть/Комментировать
2021-07-07 19:06:02 Около 1490 года сам Леонардо да Винчи — либо же один из его учеников — возможно, при участии учителя, написал данный портрет маслом на дереве. Иногда картину называют «Портретом незнакомки» (подчёркивая нерешённость вопроса о личности изображённой на нём девушки), но куда чаще именуют «Прекрасной Ферроньерой».

На мысль об авторстве какого-то из учеников Леонардо, а не собственно мастера, исследователей наводит некоторая небрежность — хотя такая манера, впрочем, может объясняться следованием традициям миланской придворной живописи, требовавшим изображение модели в неестественной позе.

А также значительно большее внимание к деталям одежды и украшениям, чем к самой модели. Сомнения вызывали слабость и неуклюжесть композиции, слабость линий парапета и украшений, волос, а также красный блик на щеке.

Сегодня можно с уверенностью утверждать, что, кто бы ни был её автором, картина действительно происходит из мастерской Леонардо: анализы показали, что «Дама с горностаем» и «Прекрасная Ферроньера» написаны на кусках дерева из одного и того же ствола.

Рентген также показал большие аналогии в наброске с подготовительным рисунком «Джоконды», кроме того, имеются записи: волосы вначале не прикрывали уши, была переписана форма челюсти, украшения добавлены позже. Исследовательница Магдален Ор (Magdeleine Hours) делает из этого вывод, что картина была закончена другой рукой.

Сомнения о том, что это не сам Леонардо, как пишут сотрудники Лувра, длились до 1980-х годов, теперь же большинство экспертов сходятся на том, что это все-таки его работа.

Лицо девушки на картине повернуто к зрителю, но немного вопросительный взгляд уведен в сторону. На макушке дамы надет головной убор, называемый scuffia, а её лоб украшен фероньеркой, которая завязана позади, и украшена камеей или драгоценным камнем по ломбардской моде.

Дама одета в платье терракотового цвета, написана на чёрном нейтральном фоне. Снизу фигура обрезана парапетом, что является традиционным для миланских портретов. Ожерелье, несколько раз обмотанное вокруг её шеи, контрастирует с квадратной линией выреза и орнаментальными рукавами. Её волосы разделены на прямой пробор и спускаются на уши.

Искусствоведы предполагают, что парапет на переднем плане, возможно, скрывал руки, которые могли входить в первоначальный замысел портрета.

Попытки идентифицировать модель портрета предпринимались давно.

Наиболее распространенная версия гласит, что Леонардо написал фаворитку своего миланского покровителя Лукрецию Кривелли. Эта версия преобладала на протяжении всего XIX века и большей части ХХ века. Действительно ли портрет изображает её, точно сказать нельзя. Но поскольку полотно написано в первый миланский период Леонардо, и женщина богато одета, она вероятно являлась видной фигурой при миланском дворе того времени.

Имя Лукреции Кривелли всплыло в качестве предполагаемой модели в 1804 году (по версии Карло Аморетти). Эта версия имеет подкрепление в виде трех эпиграмм, найденных в конце XVIII века Дж. Б. Вентури в рукописи Леонардо Codex Atlanticus. Они восхваляют красоту Лукреции, и возможно, были посланы ему придворным поэтом.

Таким образом, безусловно, что Леонардо написал некий портрет указанной дамы, но именно ли этот — неизвестно. Строки вполне могут относится и к другой, утраченной картине.

С начала XXI века в качестве кандидатуры на роль натурщицы предлагают законную жену Лодовико Моро — герцогиню Беатриче д’Эсте (по версии Сильви Бегин). Это предположение основывается на сравнении с бюстом герцогини работы Кристофоро Романо, а также на том факте, что Беатриче была дочерью феррарского герцога.

На масштабной экспозиции 2011 года «Leonardo Da Vinci: Painter at the Court of Milan» (Национальная галерея, Лондон) составители каталога придерживались именно этой версии, отведя устоявшуюся идентификацию с любовницей.
680 views16:06
Открыть/Комментировать
2021-07-07 19:05:06
Леонардо да Винчи
«Прекрасная Ферроньера»
1490—96/1495—97
Дерево, масло. 62×44
Лувр, Париж
670 views16:05
Открыть/Комментировать
2021-07-02 18:18:01 Уэмура Сёэн была крупной представительницей художественной жизни Японии периодов Мэйдзи, Тайсё и ранней эпохи Сёва.

Работы художницы выдержаны в манере бидзинга, изображавшей японский тип прекрасной женщины согласно канонам направления укиё-э стиля нихонга, возрождавшего в конце XIX — начале XX веков традиционную японскую живопись и отвергавшего воздействие европейского искусства.

В основном Сёэн работала над историческими сюжетами, образами известных личностей японской истории, а также пейзажами, театральными сценками.

Уэмура Сёэн была второй, младшей дочерью торговца чаем, умершего за 2 месяца до рождения Сёэн. Под руководством матери Сёэн досконально изучила японскую традиционную чайную церемонию.

Рисовать Сёэн начала ещё в детстве, восхищалась работами в стиле укиё-э художника Кацусики Хокусая.
Изучала живопись в школе искусств префектуры Киото под руководством пейзажиста направления гохуа Судзуки Сёнэна. Изучала живопись школ Кано и Сэссю.

Уэмура Сёэн неоднократно получала призы на художественных выставках, таких как выставка Японской академии изящных искусств (1900). Участница выставки Японской академии изящных искусств в 1907 году, когда выставленную ею там картину, «Красота четырёх времён года», приобрёл принц Артур, сын британской королевы Виктории, прибывший в Японию с визитом.

Художница проявляла интерес ко ксилографии и старинным техникам живописи. В её работах проявляются сюжеты и образы из традиционного японского театра «но».

В период с 1917 по 1922 год она участвует в ряде выставок. В 1930-е годы Сёэн создаёт свои лучшие работы — картины Весна и Осень (1930), навеянную образами театра «но» и написанную акварелью на шёлке Дзё-но-май (1936) и Соси-араи Комати (1937).

В 1941 году Уэмура Сёэн стала первой женщиной-художником, принятой в Императорскую академию искусств.
В 1944 году Министерством двора она назначена придворным художником. В годы Второй мировой войны националистически окрашенное творчество Сёэн использовалось японским правительством в пропагандистских целях.

В 1948 году Уэмура Сёэн была награждена японским Орденом культуры.
244 views15:18
Открыть/Комментировать
2021-07-02 18:17:02
Уэмура Сёэн
«Ловля светлячков»
1932
Краски на шелке, 49x46
249 views15:17
Открыть/Комментировать
2021-06-30 19:31:05
Джон Констебл
«Вид на собор в Солсбери из епископского сада»
1823
Холст, масло. 87,6×111,8
Музей Виктории и Альберта, Лондон

В начале 1820-х годов по заказу своего друга архидиакона Джона Фишера Констебл написал несколько набросков, этюдов и картин с видом на знаменитый средневековый Солсберийский собор.

Наверное, самая известная из этих работ — вид на собор из епископского сада, где пластика живой арки, образуемой тенистыми деревьями на переднем плане, эффектно сочетается с изысканностью готического здания вдали.

Такое разделение полотна на два плана — тёмный передний и светлый задний — создаёт эффект «картины в картине».

Как и на картинах немецких романтиков, собор здесь служит не просто изображаемым объектом, а символом национальной истории и гармонии вселенского порядка.
554 views16:31
Открыть/Комментировать
2021-06-29 15:01:30
Карл Брюллов
«Итальянское утро»
1823
Холст, масло. 62×55
Кунстхалле Киля, Киль

Картина написана художником после приезда в Италию в 1823 году.

Большую роль играет освещение картины, сам художник писал о нём так:

Я освещал модель на солнце, предположив освещение сзади, так что лицо и грудь в тени и рефлектируются от фонтана, освещенного солнцем, что делает все тени гораздо приятнее в сравнении с простым освещением окна.

На картине молодая женщина, умывающаяся под струями фонтана, освещена мягкими утренними лучами солнца.

Картина принесла известность Брюллову, получив лестные отзывы сначала у итальянской публики, затем от членов Общества поощрения художников. ОПХ подарило картину «Итальянское утро» Александре Фёдоровне, жене Николая I.

Император захотел получить парную к «Утру» картину, что послужило началом написания Брюлловым картины «Итальянский полдень».
517 views12:01
Открыть/Комментировать
2021-06-28 13:46:00 Полотно создано в самый разгар войны и посвящено теме жертвенного служения высокой идее, любви к Родине. Представленная в дни февральской революции 1917 года на выставке «Мир искусства», картина вызвала поток откликов в печати.

В своей статье Леонид Андреев писал:

«Единственный центр картины — фигура умирающего прапорщика. По чистосердечной простоте выражения, по силе экстаза, по мастерству рисунка я не помню другого образа «святой смерти», который можно было бы поставить в ряд с этим <…>. Он жив, он смотрит — и в то же время вы ясно видите, что он мертв, убит, что земля уже не служит опорой его ногам, что он весь в воздухе, без поддержки, как луч, что в следующее мгновение он рухнет, навсегда прильнет к сырой земле. Эта необыкновенная воздушность, этот полет на невидимых крыльях — удивительны».

Решение Петровым-Водкиным темы смерти на поле боя апеллирует к эпизодам романа «Война и мир» Л. Н. Толстого, а во фрагменте изображенного боя вновь узнаются хвалынские холмы и простирающиеся с высоты родные волжские дали. Динамика и статика происходящего акцентированы на фигуре прапорщика в момент перехода его жизни в инобытие.

Мальчик-офицер застыл в вечной своей остановленности, и рука его покоится на пробитом пулей сердце. В этот трагический момент он перестал быть с теми, кто за его спиной продолжает штыковую атаку.

Солдаты ритмически связаны боевым порядком, общим строем, общим бегом. Их лица едины в выражении обреченного героизма.

Лицо прапорщика, напротив, спокойно и безмятежно. Он уже один на один с божьим миром, его душа словно возносится над родной землей, над уходящей к линии горизонта равниной, пашнями, лесами и деревнями. Он герой и жертва, и он победитель над смертью.

Тема праведной смерти звучит в картине как утешение, как обещание спасения. Любимое изречение Петрова-Водкина в письмах тех лет: «Да спасет Бог Россию».

Во время войны художник служил в учреждениях военного ведомства в Петрограде, и театр военных действий мог наблюдать непосредственно. К. С. Петров-Водкин создал эпически-идеализированный образ Первой мировой войны, в котором отразилась его художественно-теоретическая система.

Произведение построено на основе принципа трехцветия: синего, желтого и красного цветов (основные цвета согласно концепции художника). Обращает на себя внимание замедленность плавных движений, акцентирование жестов, оберегающих и угрожающих.

Композиционный принцип "сферической перспективы" позволяет изображать все происходящее одновременно сверху и сбоку, передавать ощущение "земли как планеты".
Таким образом, художнику удается создать произведение планетарного звучания вне времени и пространства.
743 views10:46
Открыть/Комментировать
2021-06-28 13:45:01
Кузьма Петров-Водкин
«На линии огня» («Атака»)
1916
Холст, масло. 196×275
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия
728 views10:45
Открыть/Комментировать
2021-06-10 13:46:00 Картина основана на поэме Джона Китса «Изабелла, или горшок с базиликом», а её сюжет, в свою очередь, заимствован из новеллы о горшке с базиликом из «Декамерона» Боккаччо (IV день, 5-я новелла).

Китс повествует о трагической любви Изабеллы и Лоренцо.

Богатые братья Изабеллы, узнав о её тайной любви к бедному юноше Лоренцо, убивают его. Изабелла остаётся навсегда верной своей любви.

Она тайком переносит голову любимого в свой сад и прячет её там. Братья, раскрыв тайну Изабеллы, крадут из сада горшок с базиликом, где спрятана голова Лоренцо, и бегут из Флоренции. Изабелла повергнута в горе жестокостью людей.

Художник изобразил момент, когда один из мрачных братьев Изабеллы пинает её собаку (это животное традиционно считалось символом верности). Собаки у Бокаччо нет, зато она была в английской версии Китса.

В каталоге первой выставки картина сопровождалась стихами:

Вассал любви — Лоренцо молодой,
Прекрасна, простодушна Изабелла!
Возможно ль, чтоб под кровлею одной
Любовь сердцами их не овладела;
Возможно ль, чтоб за трапезой дневной
Их взгляды не встречались то и дело;
Чтобы они средь ночи в тишине
Друг другу не пригрезились во сне.

(Перевод Галины Гампиевой)

Милле начал работу над «Изабеллой» сразу после того, как было создано Братство прерафаэлитов, поэтому это одно из первых произведений, в котором воплотились принципы прерафаэлитской эстетики.

Цвета очень яркие, насыщенные, каждая фигура выписана с особой тщательностью. На ножке стула Изабеллы можно обнаружить инициалы прерафаэлитского Братства — P.R.B. (англ. Pre-Raphaelite Brotherhood).
В «Изабелле» нет перспективы: все фигуры, сидящие за столом, одного размера.

Как это было принято у прерафаэлитов, Милле изобразил на картине своих близких и друзей. Братья Изабеллы написаны с Ф. Д. Стивенса (молодой человек слева, с бокалом в руке), У. Деверелла (слева, задний план), Д. Харриса (толкает собаку). На заднем плане справа — Д. Г. Россетти (пьёт из бокала). Пожилой человек, вытирающий губы салфеткой — отец Милле. Для Лоренцо позировал У. Россетти, Изабелла — жена сводного брата Милле.

Эта работа написана в радостных светлых и прозрачных тонах, что не понравилось ни зрителям, ни критикам.

А как картина вам, уважаемые подписчики ?)
526 views10:46
Открыть/Комментировать