On The Corner

2021-06-13 01:47:50 Стараюсь не спамить сверх меры ссылками на «Джазист», но за последнюю неделю вышли классные тексты, которые хочется отдельно подчеркнуть. Во-первых, на «Джазисте» дебютировал Леонид Аускерн. С удовольствием читаю его личный проект «Джазовый квадрат» и, надеюсь… Открыть/Комментировать

2021-06-12 23:19:13 Барабанщик Петр Талалай зовет на презентацию альбома группы SAKHRA «Rise in Bedia» 14 июня в «Клуб Козлова».

Не то, чтобы в традиции канала анонсировать концерты, да и времена в Москве из-за ковида снова непростые, поэтому сообщаю аккуратно и рекомендательно. Опять же, делаю это не по дружбе (ни с кем из музыкантов лично не знаком), а чисто из музыкальных симпатий. Мне персонально интересен Петр (рекомендую, кстати, его канал), и я стараюсь следить за проектами с его участием. SAKHRA мне тоже интересна как группа, находящаяся в поступательном и непрерывном развитии. Лидер ее, замечательный пианист Евгений Абрамов, последовательно и, как мне кажется, органично строит коллектив, и идет своим путем, не смотря на чьи-либо сиюминутные реакции. Поэтому я надеюсь, что вокруг SAKHRA сформируется (формируется уже) понимающая стиль группы аудитория.

Не скрою, что меня еще отдельно подкупил зимний концерт SAKHRA, вдохновленный музыкой Кита Джарретта. И еще не скрою, мне давно и сильно нравится композиция «Jungle Morning», и я так же давно искал повод ее здесь поставить, и вот, кажется, нашел. Это а) классная и б) нетипичная для нашей джазовой и околоджазовой среды музыка. Такое ценится вдвойне.

Youtube // Концерт // Рецензия Юрия Льноградского на «Джазисте» Открыть/Комментировать

2021-06-12 22:25:29 Фотографии «‎Lighthouse»‎ в режиме «‎было – стало – ничего не изменилось»‎. Открыть/Комментировать

2021-06-12 22:24:21 Вау: в июле выходит полное издание альбома Ли Моргана «Live At The Lighthouse» Вот, кстати, интересненькое дело. Blue Note переиздает концертный альбом Ли Моргана «Live At The Lighthouse» 1971 года – предпоследний в дискографии великого трубача и последний… Открыть/Комментировать

2021-06-12 22:01:02 Вау: в июле выходит полное издание альбома Ли Моргана «Live At The Lighthouse»

Вот, кстати, интересненькое дело.

Blue Note переиздает концертный альбом Ли Моргана «Live At The Lighthouse» 1971 года – предпоследний в дискографии великого трубача и последний, который успел выйти еще при его жизни. Пятьдесят лет назад термоядерный состав (Бенни Мопин – духовые, Харольд Мейберн – фортепиано, Джими Меритт – контрабас, Микки Рокер – барабаны) под управлением Моргана отыграл в крошечном лос-анджелесском кафе 12 сетов в течение недели – по два за вечер. Каждый из концертов был записан, но в изначальную версию альбома попало четыре композиции – больше на пластинку было физически не поместить. Двадцать пять лет спустя, в 1996 году, альбом переиздали бокс-сетом из трех CD суммарно на 3 часа материала – эта версия как раз лежит сейчас в стримингах. В июле этого года к юбилею Blue Note решил издать все записи той великой резиденции без исключения – количество часов, которое удалось разместить на 12 подарочно-хрустящих виниловых LP даже называть неловко.

Да, и в этом случае придется оговориться, что это все маркетинг с характерными крючками вроде третьей по счету версии «The Beehive» или записанной со случайно зашедшим в клуб Джеком ДеДжоннетом композиции «Speedball». Таких штук на рынке пруд пруди, но все-таки мимо этого переиздания проходить, презрительно отвернувшись, не стоит. Во-первых, потому что Ли Моргана в отличие от, скажем, Майлза Дэвиса или Джона Колтрейна вспоминают до обидного редко, а если и вспоминают, то только «классический» период шестидесятых. Но вообще-то на «The Sidewinder» Ли Морган не кончился, и «Live At The Lighthouse» – одна из лучших в истории пост-боповых записей – это подтверждает. Любопытно, что Морган из принципиальных соображений не играл во время резиденции в «Cafe Lighthouse» свой старый авторский материал, доверившись сочинительским способностям напарников, и они не подвели, подогнав лидеру с десяток гениальных композиций, не ставших стандартами только по конъюнктурным причинам.

Поэтому для тех, кто не следит за рынком архивных раритетов, переиздание «Live At The Lighthouse» – напоминание послушать вполне себе великую и, вместе с тем, не заезженную до дыр запись, для фанатов – беспроигрышное развлечение искать отличия в разных версиях одних и тех же композиций, для охочих до винилов толстосумов – повод потратить деньги не зря. Получается, маркетинг маркетингом, но раз все в плюсе, то дельная, значит, получилась история.

Послушаем ту самую, неслыханную прежде, версию «The Beehive», которую написал пианист Харольд Мейберн.

Youtube // Song.link Открыть/Комментировать

2021-06-10 00:43:56 Стараюсь не спамить сверх меры ссылками на «Джазист», но за последнюю неделю вышли классные тексты, которые хочется отдельно подчеркнуть.

Во-первых, на «Джазисте» дебютировал Леонид Аускерн. С удовольствием читаю его личный проект «Джазовый квадрат» и, надеюсь, что наша дружба одной рецензией не ограничится. Радует, что дебют получился ударным: Леонид внимательно разобрал свежий альбом проекта саксофониста Джо Ловано и трубача Дэйва Дугласа «Sound Prints». Изначально «Sound Prints» задумывался как долгоиграющий трибьют Уэйну Шортеру, но на третьем альбоме Ловано и Дуглас от концепции отошли и записали только оригинальные композиции. И в итоге, как мне кажется, это пошло звучанию на пользу – свободы и неожиданных решений в исполнении обоих стало точно больше. Ловано я принципиально люблю, Дугласа принципиально – нет, и считаю его скорее расчетливым конъюнктурщиком, чем олдскульным романтиком, за которого он так старательно себя выдает, но конкретно на этом альбоме баланс между двумя солистами выдержан близко к идеалу. А в умеренных дозах Дуглас вполне терпим. К тому же «Sound Prints» интересен не только солистами, но и чумовой ритм-секцией из контрабасистки Линды Мэй Хан О и барабанщика Джоуи Бэрона. При таких раскладах скепсис в отношении Дугласа становится близок к погрешности, которой можно пренебречь. За подробностями – еще раз отсылаю к тексту Леонида.

Во-вторых, Сергей Мезенов сделал бодрое интервью с Борисом Бородушкиным – киномехаником красноярского «Дома кино», который в один момент резко загорелся джазом, создал агенстство и начал делать в Красноярске джазовые мероприятия разного калибра: привозить столичных джазовых звезд, устраивать гастроли экспериментальным европейцам, организовывать фестивали и так далее. Что приятно, Борис рассказывает обо всем открыто, честно и без стартаперской завиральной мандулы типа «я шел по улице, видел сердитые лица людей и решил изменить мир к лучшему, организовав прокат электросамокатов». Нет, напротив, Бородушкин: делать джазовые ивенты в регионах напряжно, приходится крутиться и выживать, и в этом нет ничего зазорного, наоборот, это даже круто и драйвово. Главное – по-настоящему хотеть. Словом, почитайте.

В-третьих, Юрий Льноградский как он умеет – ярко и фактурно – написал об альбоме московской группы SAKHRA. Группа, основанная замечательным пианистом Евгением Лебедевым с участием не менее замечательных барабанщика Петра Талалая, контрабасиста Павла Прокимова и мультиинструменталиста Антона Котикова, играет нетривиальную для наших краев музыку и, на мой взгляд, заслуживает куда большего внимания. Пластинка тоже получилась что надо, поэтому здорово, что Льноградский в нее так сильно вгрызся и не упустил из виду ни одной детали – полюбопытствуйте.

И, наконец, Женя Галочкин, отрецензировал колючий и умный альбом импров-трио Ильи Белорукова, Константина Самоволова и Дмитрия Лапшина. Работа над пластинкой «Back? Forward!» шла два года и, как мне кажется, результат затраченные усилия полностью оправдал. В общем, читайте Женю и слушайте Dogs Bite Back.

На этом пока сделаем паузу. Открыть/Комментировать

2021-06-09 19:54:12 Мы чуть было не пропустили новый альбом Евгения Гречищева – это недоразумение надо срочно исправить

Вчера вместе с Лёвой Боровковым два часа говорили с основателем образовательного центра Lanote Андреем Липатовым, и выяснилось, что с марта Lanote стал еще и лейблом. Послушав первый релиз Lanote – альбом трио Евгения Гречищева «Прелюдии» – так и хочется сказать: как же мы такое чудо проморгали?

Евгения Гречищева в профессиональных кругах знают в первую очередь как гуру джазовой педагогики – он научил, например, Евгения Лебедева, Евгения Сивцова, Арсения Рыкова (список на самом деле длинный) и написал базовые (в смысле, что без них никуда) учебники для музыкальных заведений разного уровня. Как говорят, Гречищев не только учит технике исполнения и развивает композиторское мышление, но и влюбляет в джаз. В свое время Гречищев сильно повлиял и на самого Липатова, по сути сделав из инженера «Бауманки» джазового музыканта, педагога и методиста.

Релиз «Прелюдий» – ученик выпускает по личной по сути просьбе музыку учителя – сильная личная история Андрея Липатова. Но и сама музыка – чистая, теплая, эмоциональная – сильна и самодостаточна без погружения в контекст. «Прелюдии» – это экстра-класс исполнительского мастерства (помимо Гречищева хочется снять шляпу перед контрабасистом Сергеем Хутасом, барабанщиком Дмитрием Ямпольским и саксофонистом Дмитрием Кондрашовым, сыгравшим в одной, но зато гениальной композиции «Prelude No.5») и золотое сечение в искусстве композиции и аранжировки. Здесь напрашивается неочевидная паралелль с недавним альбомом «Occasionally» саксофониста и преподавателя Беркли Пэта Донахера – в том смысле, что через преподавание оба достигли совершенства в обращении с формой, а потом реализовали его в создании авторских композиций. Саунд «Прелюдий», сохранивший эмоции музыкантов и передавший контрастность звучания – еще одно достижение звукорежиссера Андрея Левина. Даже когда возникает соблазн покритиковать альбом за что-нибудь хотя бы из чувства противоречия, придраться в «Прелюдиях» оказывается не к чему.

Да, «Прелюдии» сыграны в формате стандартного джазового трио, но видите ли, бог ведь тоже в деталях, и в отличие от тиражных фортепианных составов, трио Гречищева хочется переслушивать снова и снова. Слишком уж редко мастерство и умение доводить до конца даже мельчайшие детали соединяется с таким чистым упоением музыкой.

Удивительно, что этот альбом проскочил мимо даже пристально следящих за джазом людей. А с другой стороны, совсем неудивительно. Гречищев «Прелюдии», очевидно, не для блогерских рецензий и резиденций в клубах записывал, а просто из любви к делу жизни. «Прелюдии» вышли не к месту и не ко времени – в топах «лучших альбомов» такой неформатной и по-хорошему старомодной пластинке едва ли найдется место. Зато она может стать любимой, пусть даже среди немногих – на день, на два, на год, а может и дольше. Сила альбома как раз в том, что даже через пятьдесят лет он будет звучать так же свежо и жизнеутверждающе вне зависимости от модных поветрий. Какой же Гречищев все-таки великий. Аж радость берет.

Почитайте еще по этому поводу Лёву Боровкова на «Джазисте» – шикарный текст написал, в котором все по делу.

Youtube // «Джазист» // Album.link Открыть/Комментировать

2021-06-06 02:25:08 В продолжение темы Ральфа Питерсона дам ссылку на любопытную статью джазового пианиста и публициста Итэна Айверсона в JazzTimes. В ней он пишет о творческом союзе Питерсона и пианистки Джери Аллен в конце 80-х, как о двух музыкантах, по тем или иным причинам не попавшим в неоконсервативное поколение «молодых львов».

Питерсон к «львам» был, конечно, гораздо ближе, чем Аллен, но тем не менее проигрывал конкуренцию более «форматным» Джеффу «Тэйну» Уоттсу и Марвину Смиту, и в то же время искал для себя большей творческой свободы. В Аллен он нашел понимание и принятие своих идей, и вместе они под вывеской «квинтета Ральфа Питерсона» записали три великих альбома: «V», «Triangular» и «Volition».

Честно говоря, каждая из этих пластинок перевешивает все работы «львов», включая братьев Марсалисов, вместе взятые. Но история не терпит двойственности, поэтому Марсалисы – у нас герои, а «V», «Triangular» и «Volition» вы не найдете даже на ютьюбе. Зато там выложено выдающееся живое выступление квинтета Питерсона на фестивале в 89 году. Его и прикручу.

Youtube // Статья в JazzTimes Открыть/Комментировать

2021-06-06 01:49:11 Ральф Питерсон – великий джазовый барабанщик

Композитор и барабанщик Ральф Питерсон ушел из жизни в марте этого года после шести лет борьбы с онкологическим заболеванием. Питерcону было 58 лет – мог еще жить и жить, играть и играть. Ведь он был джазовым музыкантом от бога и с рождения – сел за барабанную установку в 3 года, в 17 – попал в биг-бэнд к Арту Блейки, в 27 – начал сольную карьеру и заодно стал наставником для молодежи.

«Школу Питерсона» прошли Рой Харгроув, Ури Кейн, Оррин Эванс, Джери Аллен, Эрик Ревис и так далее. Дело в том, что Питерсон был не только выдающимся исполнителем, но и сильнейшим композитором, и к тому же серьезно разбирался в вопросах джазовой теории. При этом имя Питерсона за пределами (пост)бопперского сообщества мало кому известно. Хочется сказать, что это несправедливо, но на самом деле нет: в Европе американских «классиков» с рынка вытеснили скандинаввы и прочие британцы с немцами, да и на родине вектор развития тоже сместился в сторону довольно аморфной кросс-жанровости. Старой джазовой школе не просто уделяют меньше внимания, но и как будто отказывают в субъектности: мол, всё в джазе уже давно случилось, а вы, конечно, классные мастеровитые ребята, но не более. Из-за этих стереотипов мы напрасно упускаем из виду музыкантов, которых по идее нужно слушать во все уши. Питерсон – как раз из таких.

Как и положено великому музыканту для музыкантов, Питерсон с оттягом забивал на имидж: носил широкие пиджаки и странные очки в стиле Кота Базилио, заправлял майку в брюки, и в представлении обывателя походил скорее на охранника заштатного клуба, чем на человека, связанного с искусством. Продвижением Питерсон не занимался, обложки половины его сольных альбомов больше отпугивали, чем привлекали – он как бы сознательно отсекал от себя всё те немузыкальные метрики, по чему сейчас как раз принято музыкантов встречать. Питерсона оставалось только слушать и поражаться его феноменальной технике, могучей силе удара и в то же время детальной точности, композиционному чутью и стилистической гибкости.

За примерами далеко ходить не надо – послушайте его 26-й, вышедший посмертно в апреле альбом, «Raise up off me». Он длится полтора часа, и охватывает чуть ли не все субжанры акустического джаза: латино-, лавинообразный постбоп, по-монковски угловатые бибоповые номера, мягкие баллады, вокальные номера, которые в кои-то веки слушаешь без чувства испанского стыда. Каждую из выбранных форм Питерсон расцвечивает умной и виртуозной игрой, в которой нет ни грамма самолюбования. Свое мастерство он использует для того, чтобы вести партнеров за собой и, с другой стороны, не давать им расслабляться ни на секунду. Живость и сила этого альбома тем более потрясают, когда узнаешь, что записывал ее Питерсон уже на четвертой стадии.

«Raise up off me» – это одновременно и полуторачасовая энциклопелия современного акустического джаза, и мастер-класс по тому, как его надо играть. Только вот, боюсь, даже разобрав его на детали, повторить Питерсона не удастся. Это как пытаться скопировать трехочковые Стефена Карри или форхенд Роджера Федерера – только для того, чтобы прочувствовать чужое величие на практике.

О самом альбоме «Raise up off me» очень подробно и человечно написал Олег Соболев на «Джазисте». Почитайте и послушайте.

Youtube // «Джазист» // Album.link Открыть/Комментировать

2021-06-04 18:07:25 А вот как в Яндекс.Музыке выглядит Джек ДеДжонетт. Хороший ДеДжонетт – наш ДеДжонетт. Не могу не поделиться, простите. Открыть/Комментировать