Русская классическая живопись

2021-04-20 10:30:46 Левитан Исаак Ильич
«Заросший пруд», 1887
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург


Произведение «Заросший пруд» является подтверждением тесных связей творчества Исаака Левитана с традициями отечественного реалистического пейзажа. Картина была начата под влиянием одноименной работы Василия Поленова, учителя и старшего друга Левитана, вероятно, в один из приездов молодого живописца на дачу Поленовых «Жуковка» летом 1887 года. Художник соединил в запечатленном уголке деревенского пейзажа его естественную неповторимость и «узнаваемость» типичных черт русской природы Открыть/Комментировать

2021-04-19 18:45:54 ​​Шишкин Иван Иванович
«Сосны, освещенные солнцем», 1886
Государственная Третьяковская галерея, Москва

«Лесной богатырь-художник», как называли современники Ивана Шишкина, в своем творчестве предпочитал обращаться к большим панорамам, создавая подчас эпические образы русской природы. «Сосны, освещенные солнцем» сам художник считал этюдом, несмотря на большой размер произведения. Картина полностью написана на пленэре и изображает совершенно конкретный уголок леса под Сестрорецком, вблизи Петербурга, где художник часто работал в 1880-е годы.

Каждую осень, возвращаясь в Петербург после летних этюдных работ, Шишкин привозил с собой сотни натурных зарисовок и живописных штудий. «В изучении натуры никогда нельзя поставить точку, нельзя сказать, что выучил это вполне и что больше учиться не надо», – говорил Шишкин своим ученикам. В этом кроется тщательное постижение каждой природной формы, своей кистью Шишкин будто прощупывает кору отстающего дерева, выписывает влажные от росы травинки. При этой выписанности, «учености» в изображении пейзажа полотнам мастера свойственна необыкновенная поэтичность и непосредственность в восприятии природного мира, столь любимого им.

Уголок соснового леса изображен художником с необычного ракурса, зритель будто бы блуждает между стройными стволами сосен, согретых солнечным светом. Сквозь пушистую хвою высоких деревьев льется потоками теплый воздух, и все пространство небольшой опушки кажется напоенным ароматами смолы. С предельной осязательностью Шишкин пишет охристую песчаную почву, осыпавшиеся изумруды иголок, падающие тени от разлапистых ветвей на земле. Лесной мир, запечатленный художником, на который ступает нога человека, так контрастен с тем бескрайним, бездонным голубым небосводом, что его обнимает. Открыть/Комментировать

2021-04-15 16:47:37 ​​Репин Илья Ефимович
«Пахарь. Лев Николаевич Толстой на пашне», 1887
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Образ Льва Николаевича Толстого интересовал многих художников. Крамской, Репин, Ге, Нестеров, Ярошенко, Трубецкой и многие другие создали ряд портретов, сохранивших для нас облик великого писателя и философа.

Особый интерес представляют портреты, раскрывающие духовный мир писателя, необычный и сложный. К ним относится и картина И.Е.Репина "Пахарь Л.Н.Толстой на пашне".

   В 70-е годы в жизни писателя происходит глубокий перелом. Подобно герою его рассказа "После бала" Ивану Васильевичу, Толстой мучительно ищет ответа на вопрос: "Как жить?". Он стремится уйти из того круга обеспеченных, не знающих труда людей, к которым он принадлежал по рождению.

Толстой стремится заполнить свою жизнь трудом; кроме создания романов, он учит детей в основанной им школе, пашет землю, помогая беднейшим крестьянам, учится шить сапоги, сажает деревья, косит траву и т.п. Простой физический труд он считает оздоровляющим человека и физически, и духовно.

   М.Е.Репин писал Л.Н.Толстого на пашне. "Я прожил 8 дней у гр. Льва Николаевича Толстого, написал с него два портрета <...> Очень интересно и полезно провел это время, ходил с ним на его работы и теперь ясно понял этого гениального человека. Какая мощь бессмертного духа сидит в нем!". 1

   Художник вспоминал: "В один жаркий августовский день, в самую припеку, после завтрака Лев Николаевич собирался вспахать поле вдовы… Шесть часов, без отдыха, он бороздил сохой черную землю, то поднимаясь в гору, то спускаясь по отлогой местности к оврагу.

У меня в руках был альбомчик, и я, не теряя времени, становлюсь перед серединой линии его проезда и ловлю чертами момент прохождения мимо меня всего кортежа. Это продолжается менее минуты, и, чтобы удвоить время, я делаю переход по пахоте на противоположную точку, шагах в двадцати расстояния, и становлюсь там опять в ожидании группы. Я проверяю только контуры и отношения величины фигур; тени после, с одной точки, в один момент.

   <... >Наконец я попросил позволения попробовать попахать. Едва-едва прошел линию под гору, – ужасно накривил, а когда пришлось подниматься на взлобок, не мог сделать десяти шагов. Страшно трудно! Пальцы, с непривычки держать эти толстые оглобли, одеревенели и не могли долее выносить; плечи от постоянного поднимания сохи для урегулирования борозды страшно устали, и в локтях, закрепленных в одной точке сгиба, при постоянном усилии этого рычага делалась нестерпимая боль. Мочи не было. "Вот оно, в поте лица", – подумал я, утираясь.

   – Это с непривычки, – сказал Лев Николаевич. – И я ведь не сразу привык; у вас еще и завтра в руках и плечах скажется труд. Да, все же физический труд самый тяжелый, – добродушно рассуждал он с улыбкой.

   И опять началось бесконечное тяжелое хождение взад и вперед по рыхлой пахучей земле. Вот он, Микула Селянинович, непобедимый никакими храбрецами в доспехах. Микула вооружен только вот таким терпением и привычкой к труду.

   Мы возвращались к дому в сумерках; вызвездило на холод. Было уже настолько свежо, что я боялся, как бы он не простудился. Ведь его рубаха была мокрая насквозь. В окнах дома весело блистал свет: нас ждали к обеду. Я мог повторить за мухой: "Мы пахали". 2

1. Из письма П.М. Третьякову от 17 августа 1887 // Репин И.Е. Переписка с П.М. Третьяковым. 1873–1898. – М.; Л., 1946. С. 119.

2. И. Репин. Далекое-близкое. Изд. 3-е. М., "Искусство", 1949, с. 394–409 Открыть/Комментировать

2021-04-13 18:55:05 ​​Маковский Владимир Егорович
«Вечеринка», 1875-1897
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Владимир Маковский работал над «Вечеринкой» 22 года, хотя не относился к числу тех художников, которые годами или десятилетиями пишут одну картину. Политические судебные процессы «193-х» в Петербурге и «50» в Москве, произведшие сильное впечатление на художника, нашли непосредственное отражение в этом произведении.

На картине изображена сходка людей, собравшихся для обсуждения острых вопросов. Невзрачная комната, затемненная газетным листом керосиновая лампа; пол, усыпанный окурками; резкий контраст освещенного и затененного пространств создают ощущение тревожной напряженности. Композиция построена таким образом, что внимание всех героев картины направлено к центральной фигуре – молодой девушке-курсистке, в длинном коричневом платье. Все присутствующие на картине люди – представители «трех поколений русской интеллигенции» – реагируют на выступление девушки по-разному. Бородатый мужчина в украинской рубахе активно аплодирует, молодой юноша в черной рубашке выражает удивление и недовольство, а темноволосый мужчина, немного наклонившись вперед, завороженно смотрит на девушку. Эту группу гармонично дополняет фигура сидящего за столом военного курсанта-медика в темно-зеленом мундире с золотыми погонами. Его руки, опирающиеся на стол, показывают внутреннее смятение и беспокойство. Представители старшего поколения, по сравнению с молодежью, выглядят более спокойными и задумчивыми.

Многие лица на картине Владимира Маковского портретны. Современники видели в девушке-курсистке знаменитую революционерку, члена тайной организации «Народная воля» Софью Перовскую. В почтенном старике, в красной рубахе – народнического писателя Иеронима Ясинского, а в задумавшемся мужчине средних лет, сидящем за отдельным столом, – революционера и инженера Николая Кибальчича.

«Вечеринка», представленная на 25-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок в 1897 году, привлекла всеобщее внимание публики. Критика отмечала, что художник иронизирует над героями произведения. Журнал «Русский вестник» определял действующих лиц картины как «уголок российского затмения», «кучку нигилистов», акцентируя внимания на том, что девушка «имеет вид особы, пламенно декларирующей какое-нибудь трескучее и запретное социалистическое стихотворение». А современник художника Иероним Ясинский так описывал это произведение: «За чайным столом и вокруг него сидят и стоят представители разных поколений и обсуждают «жгучий вопрос». Молодая девушка <…> говорит речь. Ее жадно слушают, горят глаза. Кто рукоплещет, кто понурил голову в раздумье». Открыть/Комментировать

2021-04-07 19:30:23 ​​Сомов Константин Андреевич
«Арлекин и дама», 1912
Государственная Третьяковская галерея, Москва

«Арлекин и дама» - одно из самых знаменитых произведений Константина Сомова. Рисунок - символ эпохи серебряного века, отличительными чертами которой были погруженность в прошлое, театрализация жизни, существование на грани реального и вымышленного миров. Не случайно к этому сюжету Сомов постоянно возвращался и на протяжении своей жизни создал десятки его вариантов и вариаций.

Для Сомова обращение к арлекинаде - способ воспарить над действительностью, уйти от реальности, от настоящего. В своих работах он выработал множество способов «покинуть постылую современность, сдвинув время на столетие». Отсчет времени может задать тип лица модели, прическа, костюм, детали интерьера. Но главное его магическое средство для свободного перемещения во времени — техника и манера исполнения. Происходящий из семьи хранителя Эрмитажного собрания, художник тонко чувствовал эпохи, разбирался в техниках и приемах рисования, виртуозно имитировал их. «Арлекин и дама» исполнена акварелью тончайшими миниатюрными движениями кисти – так как работали любимые Сомовым европейские акварелисты или русские мастера первой трети ХIX века.

В этой большой, исполненной акварелью и гуашью, «картине» реализована привычная для произведений Сомова иконография: дама и кавалер в старинных костюмах в парке. Но здесь и костюмы театральные и все превращено в театральное представление: арлекин и дама манерно обнимают друг друга, сама композиция картины построена как декорация, а ветви деревьев спускаются, словно занавес. Слева от Арлекина – еще один элемент театрального реквизита: корзина с цветами. Отблески фейерверка, освещают застывшие фигуры, выделяя их из темноты. И вдруг становится ясно, что и главное герои - всего лишь обман, картонные фигуры, пестрые манекены.

Все работы Сомова уносят зрителя в мир воспоминаний, сна и идиллии, которой больше нет. О ней тоскует художник и сознает, что невозможно возвратить потерянную гармонию. Открыть/Комментировать

2021-04-03 18:32:59 Дубовской Николай Никанорович
«Родина», 1916
Новочеркасский музей истории донского казачества Открыть/Комментировать

2021-03-30 20:00:30 ​​Васнецов Виктор Михайлович
«Сирин и Алконост. Птица Радости и Птица Печали», 1896
Государственная Третьяковская Галерея, Москва


В основе сюжета картины Виктора Васнецова «Сирин и Алконост. Песнь радости и печали» лежат образы, созданные средневековой народной фантазией, а более глубокие истоки восходят к восточной и греческой мифологиям. Сирин и Алконост в византийских и русских средневековых легендах – райские птицы. Алконост – воплощение радости, Сирин воплощение печали и горя. В русском народном творчестве: лубках, на деревянной домашней утвари, прялках, дверцах шкафов – Сирин и Алконост были традиционным сюжетом изображения

Найти изобразительное решение фантастических крылатых женщин-птиц Васнецову помог художественный опыт, приобретенный им при работе над украшением Владимирского собора в Киеве (1885–1896). Создавая образы, подсказанные народными сказаниями, художник выписал женские лица, выражающие чувства радости и печали средствами реалистической живописи, но соединил их с фантастическими туловищами могучих птиц с орнаментально решенным оперением, напоминающим образы серафимов в соборе. Контрастное стилизованное изображение черного покрова Алконоста и белого – Сирина сделано на фоне плоскостно трактованной узорчатой листвы, сквозь которую просвечивает багряное закатное небо. Благодаря этому решению композиция получила ритмически-музыкальный и декоративный характер. В целом она отвечала живописным исканиям модерна. Своим произведением художник соприкасался с интернациональным символистским направлением живописи, развивающимся на рубеже веков в различных странах наряду с национально-романтическим направлением стиля модерн.

Символический смысл созданных художником образов прочитывался современниками достаточно ясно. «Фантастичность содержания» работ Васнецова так увлекла молодого Александра Блока, что он посвятил картине одно из своих ранних стихотворений «Сирин и Алконост» (23-25 февраля 1899). Есть сведения, что Блок вообще любил живопись Виктора Васнецова. Ему близка была отрешенность художника от грубой прозы жизни, тонкая поэтичность его живописи.

Картина «Сирин и Алконост. Песнь радости и печали» экспонировалась на первой персональной выставке картин Виктора Васнецова в Академии художеств в 1899 году. После выставки ее приобрел у автора Великий князь Сергей Александрович. Открыть/Комментировать

2021-03-28 19:45:15 ​​Васнецов Виктор Михайлович
«Иван-Царевич на Сером Волке», 1889
Государственная Третьяковская галерея, Москва

В картине «Иван-царевич на Сером Волке» Виктор Васнецов воспроизвел эпизод из «Сказки об Иване-царевиче, жар-птице и о сером волке». В тексте, восходящем к лубочному изданию XVIII века и изложенному Александром Афанасьевым, сказано: «Иван-царевич, сидя на сером волке вместе с прекрасною королевною Еленою, возлюбил ее сердцем, а она Ивана-царевича». Стремясь открыть зрителю красоту и возвышенность мира народной фантазии, передать представления народа о красоте и счастье, Васнецов использует в картине поэтические образы языческой Руси. Так, огромные стволы деревьев темного, непроходимого леса похожи на великанов-чудовищ. Сквозь их переплетенные ветви едва пробивается тревожный свет утренней зари. Таит опасность топкое болото с кувшинками. Героев окружает атмосфера тревоги и печали – беглецов ждут несчастья и разлука. А на первом плане – чудесно расцветшее яблоневое дерево – символ всепобеждающей любви, знак счастливого конца сказки. Народным воззрениям на красоту, любовь и верность соответствуют и образы героев картины – женственной, трогательно-нежной и печальной Елены Прекрасной и мужественного «добролюбящего» царевича.

Картина Васнецова произвела сильное впечатление на современников. Савва Мамонтов писал художнику о том, что его «царевич на волке» привел его в восторг: «Все это мое, родное, хорошее! Я просто ожил!», – писал Мамонтов.

Способность художника проникнуться народным мироощущением, найти живописно-пластические эквиваленты фольклорным образам и передать их со всей непосредственностью, свойственной народному искусству, принесли его произведениям на былинно-сказочные темы, открытые им для русской живописи, широкую популярность и неизменную любовь зрителей.

Картина «Иван-царевич на Сером Волке» экспонировалась на 17-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок 1889 года и с выставки была приобретена П.М. Третьяковым. Открыть/Комментировать

2021-03-27 20:51:35 ​​Маковский Владимир Егорович
«Тет-а-тет», 1885-1905
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Владимир Маковский – непревзойденный мастер короткого, меткого рассказа в живописи. В своих произведениях художник создал целую галерею образов. Чиновники, купцы, торговцы, врачи, музыканты, студенты, приказчики, судьи, полицейские, ремесленники, мастеровые, служащие, лакеи, крестьяне – люди различного звания, положения, возраста, достатка стали полноправными персонажами его произведений.

На небольшой картине «Тет-а-тет» в уютной гостиной изображены две старушки неторопливо беседующие за чашкой чая. Обращает на себя внимание интерес художника к деталям мещанского быта: «красный угол» с почерневшими иконами в золоченых окладах и горящей лампадой, картины и гравюры на стенах, ворсовый ковер на полу, скатерть на столе, милая собачонка в шерстяной, заботливо связанной, красной кофточке. С меткой наблюдательностью и точностью Владимир Маковский воспроизводит обстановку интерьера.

Современник, близкий друг художника, пейзажист Александр Киселёв писал, что вследствие склонности к изображению определенных типов, Владимир Маковский любил «останавливаться на повседневных сюжетах, не составляющих никакого эпизода, как беседа за чайным столом, в трактире». Сцены домашнего и семейного быта, с чертами «комичной патриархальности» позволяли художнику раскрыть внутренний мир персонажей, передать атмосферу частной жизни, воспроизвести особенности мира городских обывателей.

В переводе с французского языка выражение «тет-а-тет» означает «наедине», «с глазу на глаз». Неслучайно картина известна под вторым названием – «Визит». Открыть/Комментировать

2021-03-26 17:50:05 ​​Левитан Исаак Ильич
«Весна. Большая вода», 1897
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Исаак Левитан как ни один другой пейзажист умел передать тончайшую мелодию души в ее соприкосновении с миром природы. Она так хрупка и беззащитна после натиска морозов и снежных пушистых одеял, что укутывают землю. «Весна – большая вода» словно продолжение картины учителя Левитана – Алексея Саврасова «Грачи прилетели» (1871), только более чувственная, нежная. Выбранный живописцем мотив незамысловат – берег небольшой реки с приютившейся лодочкой. «Все великое, говорят, просто. И средства, используемые Левитаном, всегда просты. Так мало нот и так много музыки…» – говорил современник об этой работе.

Легкой мелодией звучит прозрачность только что освободившейся от льда воды. Отражающиеся в ее зеркале тонкие березки, словно натянутые струны арфы, поют песню наступающей весне. День, озаренный неяркими лучами солнца, уже предвещает скорое тепло. А пока во влажном воздухе чувствуются ноты первых весенних запахов - свежести, веточек, отсыревших от недавнего льда, набухших почек. «Весна – большая вода» – один из гимнов природе, сложенный Левитаном и ставший символом времени года. Так емко, просто и лирично мог написать только мастер, беззаветно влюбленный в мир русской, тихострунной, природы, ведь как он сам говорил «только в России может быть настоящий пейзажист». Открыть/Комментировать