Ретромания

2017-04-14 19:23:32 http://telegra.ph/Depeche-Mode-Ultra-04-14 Открыть/Комментировать

2017-04-04 16:37:36 В этот день 20 лет назад вышел «Elegantly Wasted» — не самый великий альбом INXS, но последнее творение великого рок-фронтмена старой формации Майкла Хатченса. Через полгода он совершит самоубийство, и это ужасно грустная история, так что давайте лучше о любопытном факте, который похож на городскую легенду, но подтверждается в официальной автобиографии «INXS: Story to Story».

На церемонии BRIT Awards 1996 года Хатченс вручал награду за «лучшее видео». Победили Oasis со своим «Wonderwall». Расцеловавшись с Хатченсом и получив из его рук статуэтку, Ноэль Галлахер взял да и сказал: «Has-beens should not be presenting awards to gonna-be's» (примерно «устаревшие музыканты не должны вручать награду перспективным»). Молодые Галлахеры вообще славились провокационными высказываниям, одно пожелание смерти от СПИДа вокалисту Blur Деймону Элбарну чего стоит. Но Майкла это задело за живое. А может и не только это. Говорят, за сценой другой Галлахер — Лиам — оскорбил телеведущую Полу Йэйтс, подружку Хатченса, и тот в ответ якобы швырнул в Галлахера огнетушителем.

Так или иначе, Хатченс ответил Галлахерам в песне «Elegantly Wasted». В ее припеве, как это часто бывает, поверх друг друга для усиления наложены несколько вокальных партий. В половине поется, как и положено, «ah, elegantly wasted» («элегантно обхуяченный», речь в песне идет о жизни селебрити и о том, как ее изображает желтая пресса). А в другой половине, на тот же лад — «I’m better than Oasis» («я лучше чем Оазис»). Это, на самом деле, легко услышать. Самое смешное, что остальные участники группы узнали, что это им не показалось, уже после выхода альбома.



Открыть/Комментировать

2017-03-30 08:03:24 В продолжение темы DFA Records: в этом месяце также исполняется 15 лет песне The Rapture «House Of Jealous Lovers». Сейчас это классика, а вот пять лет назад инфа про десятилетие данного хита застала всех врасплох.

По сути, лейбл DFA был основан ради выпуска этого сингла. Сначала было только название, под которым Джеймс Мерфи и Тим Годсуорси (Goldsworthy, прости господи) несколько лет организовывали вечеринки в Нью-Йорке и занимались продакшеном в студии на Манхеттене. Они были увлечены идеей поженить инди-рокерскую и танцевальную сцены в городе. И в 1999-ом им попалась молодая группа The Rapture, которая только переехала в Нью-Йорк из родного Сан-Франциско через Сиэтл.

The Rapture успели выпустить альбом «Mirror» и играли агрессивный экспериментальный пост-панк (сегодня тот дебют в их творчестве как отрезанный ломоть, хотя есть diehard-фанаты, которые только ранних The Rapture и признают). Но дуэт The DFA поманил их печеньками — в частности, предложил записываться на своей дорогущей студии — и стал потихоньку обращать в свою веру. Сначала Мерфи спродюсировал для группы EP «Out Of The Races and Onto The Tracks» (его фирменный бит слышен в первом же треке), вышедший на Sub Pop. А затем настало время «House Of Jealous Lovers».

Джеймс Мерфи исповедовал своеобразный подход к работе в студии: The Rapture записывали трек, а дальше он отодвигал музыкантов в сторону и занимался тотальной переработкой записи на свой лад. Затем ставил им результат, они долго спорили и все меняли, пока не находили компромисс (на который в те аналоговые времена мог уйти год). И вот однажды в 2001-ом году Мерфи просто не стал спорить. Он уговорил The Rapture записать что-нибудь танцевальное, убрал из записи почти весь рок, заставил все инструменты звучать как ритм-секцию, добавил дикой перкуссии вроде пресловутого cowbell и заявил, что ничего больше менять не будет. Вжух, и готов один из ключевых хитов нулевых!

На самом деле, не так быстро. The Rapture и лейбл Sub Pop категорически отказались выпускать получившийся трек. Тогда Мерфи пошел с этой записью к другу-единомышленнику с менеджерскими задатками Джонатану Галкину (тот был в восторге) и предложил на троих вместе с Тимом основать лейбл DFA. Что и было сделано в сентябре 2011-го. После этого сингл «House Of Jealous Lovers» еще полгода пролежал на полке, пока наконец в марте-2012 DFA Records не отпечатали пластинку тиражом 20000 экземпляров. Песня, ради которой был создан лейбл, стала лишь четвертым релизом (вслед за первыми синглами The Juan MacLean и, собственно, LCD Soundsystem). Распространяли его исключительно через диджейские магазины. Это сработало: тираж был распродан полностью, The Rapture стали звучать на дискотеках, в моду входил dance punk.

Мейнстримовый успех настиг «House Of Jealous Lovers» только через год, когда сингл был перезаписан под альбом The Rapture «Echoes». Именно эту radio-friendly версию большинство людей и знает. Но я все-таки предлагаю послушать оригинал.



Открыть/Комментировать

2017-03-12 20:12:32 Прошлогоднее же воссоединение LCD Soundsystem вызывает противоречивые чувства. С одной стороны, они наконец-то получают огромные гонорары за выступления на топовых фестивалях в статусе легенд, а многие поклонники — дополнительный шанс сказать «I was there». С другой, на 2017-ый запланирован четвертый альбом, и очень не хочется, чтобы он смазал безупречную историю, которая, казалось бы, так красиво завершилась в 2011-ом (посмотрите документальный фильм «Shut Up and Play the Hits» про их последний концерт, если не видели). Сомневаться это нормально, как показывает опыт Джеймса Мерфи.



Открыть/Комментировать

2017-03-12 20:12:32 Сегодня исполняется 10 лет альбому LCD Soundsystem «Sound Of Silver». В названии, помимо прочего, заложен намек на «серебряную медаль»: вечно ироничный Джеймс Мерфи предполагал, что после успеха дебютного альбома второй для многих будет уже не таким классным. В интервью для FACT он говорил: «на мой взгляд Sound Of Silver лучше первого, и спустя 20 лет так будут считать все, кто вообще вспомнят об этих альбомах... Но сейчас эта запись обречена быть лишь второй лучшей».

В общем, Мерфи немного опасался «синдрома второго альбома». Как оказалось — напрасно. «Sound Of Silver» наперебой хвалили Pitchfork, Rolling Stone, Mixmag и Guardian + была номинация на Grammy в категории «лучший электронный альбом».

Вокруг LCD Soundsystem в нулевых вообще сложился удивительно единодушный консенсус всеобщего обожания, которое в англоязычной публицистике принято обозначать устойчивым словосочетанием «critically acclaimed». То есть, того рода обожания, которое не особо конвертируется в прибыль — по крайней мере, в 2007-ом Мерфи утверждал, что их турне из-за огромного количества оборудования и персонала являются убыточными. Такая ситуация была характерна как для LCD Soundsystem в частности, так и для основанного Джеймсом Мерфи лейбла DFA в целом: «все нас любят, но мы продаем не так много пластинок». Ты выпускаешь одну из главных записей десятилетия, но она не делает тебя богатым — это и есть культовый статус. Сегодня это у нас называют «рокизмом»: ты популярен не среди миллиарда мух, который не может ошибаться, а среди искушенных в музыке людей (и доволен этим).

Нельзя сказать, что Мерфи бедствовал — для этого он слишком много работал, в том числе и в коммерческих проектах. Например, за полгода до «Sound Of Silver» он под вывеской LCD Soundsystem выпустил альбом «45:33», деньги на который выдала компания Nike. Точнее, она выдала деньги на идеальный микс для бега. В официальном заявлении утверждалось, что композиция была refined после нескольких тестов на беговой дорожке. Позже в интервью Мерфи признался что это был пиздеж и что вообще-то он в принципе не бегает, зато благодаря Nike позволил себе сделать свой собственный вариант легендарного экспериментального альбома Мануэля Геттшинга «E2-E4». На основе фрагмента из «45:33» появилась вошедшая в «Sound Of Silver» песня «Someone Great» — одна из центральных в творчестве LCD Soundsystem.

C великими песнями на «Sound Of Silver» вообще все в порядке. Тут и программный хит «North American Scum» (многие считают его продолжением «Daft Punk Is Playing at My House»), и краутрок-шедевр «All My Friends» (ностальгическая тема про взросление, Мерфи исполнилось 37), и гимн любимому городу «New York, I Love You but You're Bringing Me Down» (это вообще очень нью-йоркский альбом, к слову). Но, в отличие от дебюта, это не сборник ударных dance-punk треков, а именно что цельное полнометражное произведение — относительная редкость для танцевальной музыки.

На «Sound Of Silver» на 100% воплощен фирменный для LCD Soundsystem дух старой школы. Тут слово Питчфорку: «[Мерфи] одержим аналоговым звучанием и отвращением к софту, что отражено на Sound of Silver. Будучи крайне далеким от компрессированной, высокочастотной и перепродюсированной парадигмы, охватившей электронную музыку в последнее десятилетие, Sound Of Silver звучит глубоко, широко и полнокровно».

Итого: идеальнейший танцевально-рокерский гибрид и по-настоящему зрелый альбом, который разошелся на многочисленные цитаты, ремиксы и музыкальные заимствования. Instant, так сказать, classic — шедевр, который вопреки опасениям Мерфи, был признан сразу же. Он и нулевые были созданы друг для друга.

[так, кажись я нащупал предел в 4 тысячи знаков для поста в Телеграме, так что окончание и ссылка — ниже] Открыть/Комментировать

2017-03-03 22:32:43 м «All That You Can't Leave Behind» группа послушно вернулась к Брайану Ино и своему классическому звучанию. Впрочем, все это не значит, что альбом «Pop» — плохой. Можно политкорректно назвать его «самым недооцененным у U2».



Открыть/Комментировать

2017-03-03 22:32:43 Я обещал, что не буду слишком сильно докучать обновлениями в этом канале (то есть, это даже его selling point), но месячный перерыв это слишком. Стыдно сказать, пропустил 25-летний юбилей «Selected Ambient Works 85–92», например. Сегодня ничего такого великого не случилось, зато 20 лет назад, 3 марта 1997 года, вышел наиболее инновационный и самый провальный альбом U2 «Pop». Вещь, на самом деле, любопытная.

Ожидание:
Девяностые прошли для U2 под знаком переосмысления своего звучания. Начали за здравие: первые эксперименты на записанном в Берлине на фоне объединения Германии триумфальном «Achtung Baby» (1991) и в меру электронное звучание на «Zooropa» (1993), который хоть и был принят некоторыми поклонниками настороженно, получил Grammy в категории «лучший альтернативный альбом». Через пару лет U2 стали готовить публику к логическому и амбициозному завершению этой условной трилогии. В качестве продюсеров рекрутировали Flood (как и на «Zooropa») + модного шотландского электронщика Howie B. Свой вклад в альбом последний описывал так: «I gave the band a direct line into club culture and freestyle DJing». В многочисленных интервью музыканты охотно рассуждали про re-invention своего саунда; говорили про лупы, сэмплы, драм-машины, секвенсоры и скретчи. Гитару Эджа пропускали через многочисленные эффекты, бас-гитару сделали похожей на синтезаторный басс, все по феншую. Завели в 1997 году специальный сайт, транслирующий все предстоящие концерты онлайн. На выходе все ждали если и не рейв, то как минимум рок-музыку будущего. В подтверждение амбиций шесть песен с альбома (рекорд для U2) были выпущены в виде синглов .

Реальность:
Если кто-то из отъявленных фанатов U2 сумеет вспомнить названия всех шести, то разве что благодаря тому, что все они были впоследствии перезаписаны. Сегодня ни одну из них группа на концертах не исполняет. Был там и вполне себе выдающийся хит с говорящим названием «Discotheque» и роскошным гитарным риффом, но самоироничным U2 изображающим Village People слушатель сказал «не верю», а главное — они и сами не поверили в этот перезапуск. Что-то сразу пошло не так: мегаломанский гастрольный тур PopMart был запланирован заранее еще на конец 1996 года, но окончание записи альбома несколько раз откладывалось (сильно залипли на стадии студийного сведения и мастеринга треков, потом Эдж будет жалеть об этом:«если запись никак не получается смикшировать, значит с ней что-то не так»). U2 не успели толком все отрепетировать и на премьере в Лас-Вегасе сбились на середине песни «Staring at the Sun» и переиграли ее заново. Турне сопровождалось техническими накладками: в Осло группа не сумела эффектно выйти на сцену из раскрывающегося гигантского лимона, потому что он не раскрылся. Из-за отсутствия достаточного количества спонсоров средняя мировая цена на билет была $50 (во время Zoo TV Tour — $25). В центральных штатах США многие концерты не были распроданы. Фильм о студийных сессиях записи «Pop», показанный на ABC, получил самые низкие рейтинги среди неполитических программ в истории телеканала. Продажи альбома в США были соответствующие, хуже выступил в свое время только дебютный «Boy». Характерный отзыв журналиста: «U2 and techno don't mix any better than U2 and irony». Есть какая-то закономерность в том, что декларируемый стеб над консумеризмом и поп-культурой, заложенный в концепцию альбома и турне, вылился в некоторый провал.

Все, конечно, относительно. Понятно, что тысячи групп мечтали бы быть столь же «неуспешны». В конце-концов, на стадионе в итальянском Реджо-нель-Эмилия был установлен рекорд того времени по количеству людей на сольном концерте: 150000. Или вот Элвису Костелло альбом понравился. Но для U2 это был провальный год, и впоследствии они просто сделали вид, что такого альбома не существует — в этом году они отмечают другой юбилей: 30-летие «Joshua Tree».

U2 попытались примолодиться и подчинить себе современные тренды, но обломались. Вместо того, чтобы (как Дэвид Боуи месяцем раньше) смело шагнуть в будущее, они увязли в компромиссах между традиционными ценностями и чем-то новомодным. На следующе Открыть/Комментировать

2017-02-03 20:31:05 Если телеграм в пятницу вечером читают так же, как фейсбук, то я опоздал, и все-таки: в этот день 20 лет назад вышел «Earthling» (или, если по феншую, «EART HL I NG») — самый мощный, динамичный и агрессивный альбом Дэвида Боуи. Первый за 23 года, который он спродюсировал сам (вместе с партнером по Tin Machine Ривсом Гэбрилсом). Может быть, ему надоел звуковой диктат продюсера — на предыдущем «Outside», где он начал всерьез экспериментировать с электронным звучанием, Брайан Ино, например, не дал ему использовать гитару, как тот хотел. Замысел был такой: нарезать гитарных рифов, засэмплировать их и играть партии с клавиш. На «Earthling» Боуи реализовал задуманное. Здесь он также оживил (и превратил в хит with a little help from Nine Inch Nails) отложенную при Ино на полку (хотя написанную вместе с ним) песню «I’m Afraid Of Americans». Так или иначе, начиная с этой записи Боуи все продюсировал сам. Вот только последующие альбомы вызывали уже ощущение депеш мод — выпускает новые, и слава богу. «Blackstar», конечно, стоит особняком, но смерть Боуи это вовсе не то, о чем я хотел поговорить, я хотел поговорить о самом крутом, без оглядки на обстоятельства, альбоме позднего Дэвида Боуи.

Хотя тут, конечно, есть разные мнения. Одни посчитали, что дедушка (ему как раз только стукнуло 50) заигрался в техно. Другие (и я, конечно, в их числе) думают, что «Earthling», закрывающий условную «электронную трилогию», это последний альбом, когда Дэвид Боуи воспринимался как актуальный современный музыкант. Если на «Black Tie White Noise» и «Outside» он, можно сказать, тренировался, то здесь просто взял да и превратил индастриал и драм-н-бейс в мейнстрим. Энтузиазму, с которым он бросился на новые тренды и переварил их, можно только аплодировать. За это, в том числе, мы его и любим.

Это касается не только содержания, но и формы. Тут же Дэвид Боуи стал первым известным музыкантом, выпустившим сингл в виде файла для скачивания онлайн — это была песня «Telling Lies» (1997 год, напомню).

Эти и другие технологические новшества никак не отменяют глубоко личный характер альбома. Рассказывая о нем журналу Q, Боуи едва ли не впервые всерьез высказался о своем отношении к религии: «Думаю, общее между всеми этими песнями — моя постоянная потребность метаться между атеизмом и определенным гностицизмом. Я все время нахожусь между этими двумя вещами, потому что они многое значат в моей жизни. Церковь никоим образом не присутствует ни в моем творчестве, ни в моих мыслях. У меня нет никакой эмпатии по отношению к организованной религии. Что мне нужно, так это найти баланс, в духовном смысле, между тем тем, как я живу, и тем, как я умру. И этот период времени — от сегодняшнего дня до моего ухода — это единственная вещь, которая меня зачаровывает».

Ах ты черт, все-таки о смерти получается. Впрочем, как сказал его другой долговременный друг, коллега и продюсер Тони Висконти, «его смерть не отличалась от его жизни». Судя по альбому «Blackstar», Дэвид Боуи баланс в итоге нашел. RIP, Starboy, и спасибо за «Earthling» — еще один большой подарок мировой музыке.



Открыть/Комментировать

2017-01-29 20:10:03 Впрочем, многие воспринимали «ню рейв» всерьез, и не только журналисты и слушатели. Хороший пример группы, которая со звериной подростковой серьезностью действительно пыталась _быть_ ню рейвом — Hadouken! (с восклицательным знаком; это название приемчика из игры Street Fighter). Смотрится забавно, но что-то в этом есть.


Открыть/Комментировать

2017-01-29 19:36:18



Сегодня 10 лет дебютному альбому Klaxons «Myths of the Near Future». Говорим Klaxons — подразумеваем nu rave, мифический жанр и гениальный пример вирусного маркетинга. Термин придумал создатель Angular Recording Джо Дэниэл. На его лейбле в марте 2006-го тиражом 500 экземпляров вышел первый сингл Klaxons «Gravity's Rainbow», он же организовывал их первые концерты, на флаерах к которым ничтоже сумняшеся писал «new rave». Дальше словосочетание подхватил журнал New Musical Express, помечая им новую волну британских групп, играющих на стыке инди-рока и танцевальной музыки, и НАЧАЛОСЬ (что началось, хорошо описывает анонс посвященной ню рейву в целом и этому альбому в частности вечеринки ПИКА ПИКА, которая пройдет в «16 Тонн» 17 февраля https://www.facebook.com/events/255735364855110/).

Сами Klaxons, как легко догадаться, всерьез термин никогда не воспринимали. Уже через три месяца после выхода альбома фронтмен Джейми Рейнольдс говорил в интервью онлайн-журналу Popworld Pulp: «Самый нюрейвовый из всех нюрейвовых проектов просто наебал ленивых журналистов, рассуждающих о сцене, которой не существует. Они постоянно спрашивают нас о ней. Вся идея ню рейва заключалась в том, чтобы приколоться над медиа, заставив их писать о чем-то, чего не существует, просто для забавы». Забава забавой, но заряженные на «ню рейв» поклонники их, кажется, и правда достали: «Мы хотим найти кого-нибудь, кто получил травму от неоновой палочки. Если есть такой — пусть свяжется с нами, тогда мы сможем запретить использование неоновых палочек на наших концертах». Шутка с долей шутки.

Ну и внатуре, какой еще рейв? По сути Klaxons играли пост-панк и инди-рок (а на их фейсбук-странице в графе «жанр» написано «Psychedelic / Progressive / Pop»). Все «рейверские» признаки были внешние и вторичные. Параллельно существовали более танцпольно ориентированные Justice, Friendly Fires, !!!, you name it. Песни Klaxons на дискотеке особо не поставишь, зато ставили кучу ремиксов (мой любимый был «Gravity's Rainbow» от Van She со сборника Kitsune

). Зато был кавер на Пола Оакенфолда (на мой вкус лучшая песня Klaxons

). Зато альбом спродюсировал Том Форд из Simian Mobile Disco (который, к слову, выступает в этой же роли на выходящем весной новом альбоме Depeche Mode «Spirit»). Так-то все нулевые прошли под знаком окончательного слияния гитарной и электронной музыки, но именно Klaxons благодаря удачному брендингу стали символом этого синтеза.

Жаловаться им, конечно, было грех: к моменту выхода альбома на мейджор-лейбле Polydor хайп вокруг «нового жанра» был настолько огромный, что «Myths of the Near Future» мгновенно взлетел на второе место в британских чартах, а по итогам года получил Mercury Prize и был признан альбомом года раздувавшим хайп NME. Этот же журнал его и прекратил, объявив в 2009-ом году о смерти ню рейва. Открыть/Комментировать